Chroniques d'un passionné de la musiqueSavez-vous que Pythagore a créé la gamme à douze notes en s'inspirant des pyramides d'Egypte ? Que le loup est l'inventeur du chant choral ? Ou que Bach brillait pour ses battles d'impro ?À travers quarante chroniques, André Manoukian retrace une histoire fascinante et méconnue de la musique, un art qui puise sa source en Orient, dans les raffinements des civilisations indiennes, perses ou égyptiennes. Ces influences ont irrigué la musique occidentale, qui évolue au fil des siècles sous l'impulsion de personnages extraordinaires, musiciens, penseurs, religieux ou scientifiques.Des instruments préhistoriques au chant des planètes, des philosophes antiques au rap, André Manoukian nous initie à cet art et nous dévoile par touches les petites histoires qui ont fait la grande musique. A propos de l'auteur :Auteur-compositeur, arrangeur, pianiste et chroniqueur, André Manoukian nourrit depuis toujours une passion communicative pour la musique. Il a composé divers albums en solo ou pour des artistes telles que Liane Foly ou Malia, ou des albums hommage, comme Les pianos de Serge Gainsbourg. Touche-à-tout insatiable, il multiplie les interventions dans des émissions musicales télévisées ou radiophoniques. Depuis 2013, il est chroniqueur musical sur France Inter.Retrouvez André Manoukian et ses chroniques dans l'émission Sur les routes de la musique sur France Inter.www.franceinter.fr
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Des arbres du Sud portent un fruit étrange Du sang sur les feuilles et du sang aux racines Un corps noir oscillant à la brise du Sud Fruit étrange pendu dans les peupliers» En 1939, Billie Holiday n'a que 24 ans quand elle interprète pour la première fois Strange Fruit. Non sans susciter le scandale, cette chanson évoque l'assassinat des noirs par lynchage. Protest song avant l'heure et symbole de la marche des Noirs vers l'émancipation, elle fut écrite par un Juif blanc new-yorkais, Abel Meeropol, qui recueillit les enfants Rosenberg après que leurs parents furent exécutés. La revue musicale britannique Q, a classé Strange Fruit parmi les dix chansons qui ont changé la face du monde. David Margolick montre son impact, musical et historique.
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Un panorama unique sur les liens entre histoire, peuple & musique à travers la chanson folk.

Savez-vous que Mozart était franc-maçon ? Que Beethoven était fasciné par Bonaparte ? Que François-Joseph Gossec a mis en musique la Révolution française ? Que Strauss s'accommoda des nazis et que Chostakovitch résista à Staline ?
Face au pouvoir, la plupart des musiciens se sont engagés et ont choisi d'entretenir avec les puissants des rapports d'admiration, de séduction ou d'opposition... De Lully courtisan du Roi-Soleil à Verdi chantre de l'unité italienne, d'Hector Berlioz partisan des Trois Glorieuses à Mikis Theodorakis affrontant la dictature des colonels, Laure Dautriche nous invite à suivre le parcours singulier de treize génies pris dans les tourments de l'Histoire. Plongée dans les révolutions, les guerres ou les dictatures, leur musique a toujours fini par triompher.

Durant un bref moment de grâce musicale au tournant des années 1980 et 1990, dans le prolongement de la révolution punk, les losers l'emportent enfin aux États-Unis. Alors que le conservateur Ronald Reagan entre à la Maison Blanche et que le hard-rock et la synthpop entament une décennie dorée, émerge sous l'impulsion de labels indépendants une scène rock qualifiée d'« alternative ». Et, avec elle, de nouvelles esthétiques : le grunge, les Riot Grrrls, la lo-fi... Il ne lui manque qu'une étincelle pour conquérir le monde : elle s'appellera Nevermind, deuxième album de Nirvana, paru il y a 30 ans en septembre 1991. Cette anthologie revient sur une période prolifique du rock américain et ses classiques (R.E.M., Nirvana, Cat Power) ses succès (Beck, Pixies, Sonic Youth) et ses trésors cachés.
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Pour le commun des mortels, la villa Nellcote est le lieu où les Rolling Stones enregistrèrent leur album Exile On Main Street. Cet enregistrement a été immortalisé par le photographe Dominique Tarlé, qui vécut six mois d'une vie de rêve à leurs côtés, et dont les photos, devenues introuvables, s'offrent un nouvel écrin grâce à ce livre. Benoît Jarry et Florence Viard se sont penchés sur la généalogie de ce bâtiment Belle Époque construit en 1905 dans la baie de Villefranche-sur-Mer et sur la cohorte bigarrée qui l'habita au fil des siècles :
Milliardaires, diplomates, industriels réputés, survivants du Titanic, résistants et rockeurs. Par leur travail minutieux, ils nous invitent à un voyage sur la Côte d'Azur du début du XXe siècle et dans l'intimité d'un groupe de rock légendaire.
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C'était le début des années 1980 : Valery Giscard d'Estaing était président de la république, la télé n'avait que trois chaines et les Halles le lieu le plus branché de Paris. Le punk avait tout ravagé sur son passage. La culture et plus spécialement la musique se reconstruisaient. Dans les clubs et les salles de Paris une poignée d'activistes créaient la musique et l'art de de demain. Actuel leur trouva un nom : les Jeunes Gens Modernes !
Jean-Emmanuel Deluxe dresse un portrait érudit de cette époque foisonnante qui a donné naissance aux plus grands artistes contemporains, et dont certains groupes les plus marquants, un peu oubliés en France, sont célébrés outre-Atlantique.

Au milieu des eighties, le paysage musical noir américain est en pleine mutation. Le funk et la soul évoluent ; Michael Jackson et Prince deviennent des pop stars internationales ; une partie de la jeunesse se reconnaît davantage dans le hip-hop, en lien direct avec la réalité des quartiers noirs. De jeunes artistes sentent qu'ils peuvent faire la synthèse de toutes ces sensibilités, et cette musique prend le nom de R&B, terme générique utilisé depuis 30 ans pour qualifier la musique populaire noire. Jimmy Jam & Terry Lewis, Babyface & L.A Reid ou Teddy Riley sont les chefs de file de cette révolution qui débute avec les stars du new jack swing (Keith Sweat, Al B. Sure!), les boys bands élevés au gospel (Boyz II Men) ou les girl groups (En Vogue, TLC). Mary J. Blige, R. Kelly, Alicia Keys, Frank Ocean ou Beyoncé s'imposent dans le temps comme les nouveaux souverains de la great black music.
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Au printemps 1967, la pop psychédélique de Pink Floyd quitte l'underground londonien. Porté par les innovations débridées de Syd Barrett, le Floyd barrettien semble promis à un grand destin. Pourtant, début 1968, juste après l'intégration de David Gilmour, Roger Waters, Rick Wright et Nick Mason laissent leur leader sur le bas-côté. Aussi vulnérable qu'ingérable, broyé par le LSD, rejetant les impératifs de son ascension au nom de son idéal artistique, Syd est viré de son propre groupe.
Inscrit dans son acte de naissance, l'épisode hante la mémoire du quatuor alors qu'il rencontre le succès mondial. En partant du postulat que l'effondrement de Barrett formate Pink Floyd, ce livre analyse en détail les ressorts de leur relation et montre comment le destin tragique du premier a déterminé l'évolution artistique du second.
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Un culte est un ensemble de pratiques d'hommage ou de vénération rendu par un groupe à une divinité, un être vivant mythique ou réel, un inanimé ou un phénomène à qui ce groupe reconnaît une dimension « de supériorité, d'excellence ou de sacré » et attribue des qualités remarquables ou exceptionnelles qui peuvent être considérées comme exemplaires.

Pour Philippe Manoeuvre, c'est d'établir une nouvelle classification des géants connus et méconnus du rock, les 100 disques inoubliables que l'on emporterait sur une île déserte.
Tout ceux dont l'oeuvre reste aujourd'hui, et toujours remarquable en cette période de vaches maigres rock.
L'histoire racontée par ces 100 artistes rock est peut être la plus belle de toute. Elle va de Syd Barrett au Gun Club à Rodriguez et elle devient un monument à tous ces poètes maudits, génies azimutés, stratèges inconscients, guitar héros névrosés et autres bateleurs du binaire.

Les disques cultes invitent à un éblouissant coup de projecteur sur l'histoire méconnue du rock.

« Depuis plus d'un an, avec l'aide d'amis disquaires ou collectionneurs, j'ai établi une liste de cent disques essentiels. Je pratique certains de ces albums depuis les années 70. Je me suis permis de rassembler ces histoires dans un ouvrage qui me semble éclairer la saga des rockers d'une incandescence noire, fluorescente, parfois somptueuse, exceptionnellement réaliste.
Bonne lecture, meilleure écoute ! » Philippe Manoeuvre.
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Conçu en 1968 pour la télévision afin de promouvoir l'album Beggars Banquet, le Rolling Stones Rock and Roll Circus connaît un destin singulier. Les images tournées en studio alternent, sous le chapiteau dressé, musique rock et numéros de cirque dans une ambiance festive et chaotique. Avant Mick Jagger et ses comparses, des artistes pop, spécialement invités pour l'occasion, montent sur scène : John Lennon, Yoko Ono, Eric Clapton, Marianne Faithfull, les Who, Taj Mahal etc.
Insatisfaits de leur propre prestation, les Stones renoncent néanmoins à toute diffusion. S'ensuit alors un black-out de vingt-huit ans. Quand le film de Michael Lindsay-Hogg paraît en 1996, il documente une époque à présent révolue. On y voit l'énergie créatrice et l'esprit communautaire prévaloir sur un show-business désormais standardisé.
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Montage d'entretiens avec les protagonistes du punk-rock américain, ce livre vivant, drôle, tragique, nous plonge dans la vie quotidienne du Velvet Underground, des Stooges, des New York Dolls, de Patti Smith ou encore des Ramones. Les acteurs relatent avec gouaille des anecdotes délirantes, on rit des frasques d'Iggy Pop ou de l'impayable Dee Dee Ramone. Les amitiés indéfectibles côtoient les antipathies et les amours explosives. Tous dévoilent leur mode de vie extrême, moins centré sur l'image que le punk anglais, refusant le peace and love des années 1960 et la culture de l'argent roi qui naît avec les années 1980. Mais l'innocence paradoxale verse un lourd tribut à ses excès (overdoses, prostitution) et manipule la dérision comme une arme de destruction massive.
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Le Groupe des Six ? Voilà les musiciens qui ont occupé le devant de la scène artistique parisienne dans l'immédiat après-Première Guerre mondiale. Parrainés par Erik Satie et soutenus par Jean Cocteau, à la fois leur imprésario et leur éminence grise, les Six furent les porte-drapeaux de l'Esprit Nouveau qui soufflait alors sur Paris. Voix intermittentes du néoclassicisme hexagonal pour les uns, simples farceurs embobinant dans leurs canulars un public crédule et une critique complaisante pour les autres, ils ont marqué comme peu cette période d'effervescence, où tout semblait possible. Les Six, donc : Georges Auric, Louis Durey, Arthur Honegger, Darius Milhaud, Francis Poulenc et Germaine Tailleferre.

Ce n'est pas un livre sur les groupes mais plutôt sur leur mort, sur celle du rock, de ses agonies comme de ses renaissances, de ses impostures comme de ses vérités. Il y est question de rues, d'envoûtements, de divorces et de retrouvailles. On y croise des fantômes, à moins que ce ne soit des fantasmes. Des anonymes aussi, de ceux et celles qui ont les oreilles abîmées et les pieds brûlés pour avoir trop dansé, et souvent trop cherché.

Créateur de L'Opéra de quat'sous, de « Alabama Song » et de Mahagonny, Kurt Weill (1900-1950) fait figure de compositeur populaire alors que des pans entiers de son oeuvre restent méconnus. Sous la République de Weimar, il adhère avec Bertolt Brecht aux avant-gardes musicales et théâtrales de l'entre-deux-guerres, cherchant à conjuguer art savant et culture populaire. Fuyant le nazisme, il accomplit la seconde moitié de sa carrière aux États-Unis et destine à la scène de Broadway l'essentiel de sa production. Partagé entre deux mondes, il défend pourtant dans ses écrits et entretiens, réalisés entre 1924 et 1950, la cohérence de sa démarche esthétique.
Témoin privilégié de son temps, à la fois théoricien, journaliste et praticien des médias, Weill vit en direct les développements technologiques du monde moderne. Il commente les événements politiques, sportifs et culturels, et affiche son attachement à l'American way of life. En voulant transformer la fonction dramaturgique de la musique, attribuer au compositeur le rôle moteur au sein du processus de création de l'oeuvre théâtrale et simplifier le langage pour le rendre plus accessible, il vise à définir les contours d'un théâtre musical idéal.
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« Les compositions de Nico semblent des ritournelles, de ces airs éternels qui nous hantent, reconnus avant d'être connus. Leurs infinies répétitions et variations hantent notre esprit, leurs nuances brouillent les lignes entre rêves et souvenirs. "J'ai le sentiment que ma musique sonne préhistorique", avance Nico : en effet, n'entend-on pas, en celle-ci, la pulsation matricielle des vagues, la lente danse de la lune, le chant auroral des oiseaux, le soupir des glaciers qui se fendent, le labeur souterrain de l'écorce de la terre, l'essor tranquille des arbres, le souffle inlassable du vent, le règne absolu de la nuit ? » Le quatrième album de Nico, ex-superstar chez Warhol et brièvement associée au Velvet Underground, précède une longue pause, c'est la fin d'un cycle pour la chanteuse d'origine allemande, un hommage réitéré à son ami Jim Morrison des Doors. C'est à John Cale, multi-instrumentiste et virtuose, possesseur d'une solide formation classique, que revient la responsabilité de fixer sur la bande le cours ondoyant des chansons de Nico et c'est avec celles-ci que le gallois éprouve véritablement le travail d'arrangeur.
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On parle beaucoup de la mondialisation de la culture par les Américains : Hollywood, le rock'n'roll, le rap, le fast-food, la langue tout court. Mais quelle surprise quand on se plonge dans les années 60, de voir l'Amérique subir de plein fouet une véritable invasion culturelle - musique, cinéma, télévision, art, mode, design, littérature... Il s'agit de la British Invasion, menée par des pionniers comme James Bond, les Kinks, Vivienne Westwood, Stanley Kubrick ou encore J.K.
Rowling. Ce livre mène sur le rythme d'une conversation réunit les souvenirs et les goûts personnels de 2 anglophones vivant à Paris, mais qui ont vécu l'invasion britannique de chaque côté de l'Atlantique. Richement illustré, il contient 5 DVD choisis par Valli, l'Américaine, et Stephen, l'Anglais.
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C'est dans le cycle des quatuors que le génie de Beethoven s'est montré le plus visionnaire. Il y multiplie les innovations compositionnelles et stylistiques les plus radicales, ouvrant sur de nouveaux contenus expressifs avec un éventail sans précédent de sentiments et d'émotions. C'est là aussi que ce musicien-philosophe a mis toute la puissance et la subtilité de sa pensée, sachant se montrer aussi bien chaleureusement fraternel qu'âprement exigeant.
Bernard Fournier invite le lecteur à l'ascension de cet « Himalaya musical » en adoptant un langage dépouillé de termes techniques inutiles. Dans un parcours en seize stations, quatuor par quatuor et suivant l'ordre chronologique de leur composition, il rend compte de l'esprit de chaque oeuvre, de l'inventivité de l'écriture et de la diversité expressive des mouvements comme des grandes sections. Il accompagne le lecteur auditeur dans les contrastes extrêmes de cette musique, ses sommets vertigineux et ses vastes points de vue, ses à-pics profonds, ses gouffres mystérieux, ses torrents puissants et de manière générale, dans sa beauté sublime et son âpre rudesse.
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Depuis plusieurs années, ce sont les femmes qui dominent la pop, ce sont elles qui occupent les premières places des charts dans le monde entier, battent des records de ventes et de streaming, expérimentent et repoussent les frontières des genres. Au-delà de leur musique, leur engagement et leurs combats politiques changent aussi la donne dans nos sociétés modernes. Mais ces chanteuses actuelles sont les héritières de leurs aînées qui leur ont ouvert la voie.
Cet ouvrage célèbre toutes ces femmes en racontant leur parcours et en quoi elles ont marqué leur époque.

- Une étude originale autour du punk en Irlande du Nord : la musique, le corps, la tenue et les thématiques - Une analyse inédite qui souligne un étonnant paradoxe d'un terrain commun dans une société où catholiques et protestants restent enfermés dans leurs quartiers d'un pays déchiré par un conflit meurtrier.
- La recherche d'un spécialiste des études anglosaxones à l'Université de Strasbourg, sur un terrain qu'il explore depuis plusieurs décennies.
- Le quatrième titre de la collection "En marge ! " dirigée par les chercheurs Luc Robenne et Solveig Serre.
- L'ouvrage revient sur les groupes phares: Undertones et Stiff Little Fingers, les Outcasts (un groupe belfastois qui a rencontré un succès inattendu en France sur les scènes punk).
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En 1962, âgé de quinze ans, Geo Emerick décroche le job de ses rêves : il devient assistant ingénieur du son aux Studios d'Abbey Road. Dès sa deuxième journée il assiste à la toute première séance d'enregistrement des Beatles. À 19 ans il devient ingénieur du son en titre et se charge de l'enregistrement de leur album Revolver . Dans cet ouvrage il relate ses expériences d'ingénieur du son et nous fait visiter l'envers du décor des innovations musicales et des expérimentations sonores d'où résultèrent les meilleurs disques du groupe.

Mais qu'est-ce qu'une sonate de Scarlatti ? Un monde miniature. L'infiniment grand dans l'infiniment petit. Un télescope dans lequel on voit se mouvoir les planètes dans un univers en expansion. De la vie condensée et de la fantaisie cadenassée par les  mathématiques.Des "comprimés de bonheur" comme écrivait Giono... Et beaucoup d'autres choses que l'on va découvrir dans cet ouvrage.

Le génie des Modernes est une réflexion de fond sur le devenir de la musique classique dans les sociétés occidentales, notamment européenne. Partant du constat du dépérissement de cet univers (public vieillissant mal renouvelé, image élitiste persistante malgré les efforts des acteurs concernés, éducation à la pratique amateur ou professionnalisante de plus en plus ténue, survie sous perfusion - subventions -), il tente d'en établir les causes en questionnant notamment le rapport de l'homme au sacré (l'art fut-il et est-il encore sacré ? et l'artiste ? ), à la culture savante et populaire.
Ne se posant jamais en censeur ou en défaitiste, mais en prenant un recul pour observer la crise actuelle du monde musical classique (y compris celle due au Covid-19) à l'aune des siècles et de l'Histoire.
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L'ouvrage revisite et éclaire l'apport considérable de Charles Trenet à la chanson française. Il interroge les spécificités littéraires et stylistiques de son oeuvre et dégage de nouvelles perspectives par les études sur le corps et la voix, les approches intermédiales, les liens avec la culture de masse et l'attention portée à son héritage artistique. Le parcours dessiné par ces contributions scientifiques est initié par un avant-propos de Bertrand Dicale et émaillé de témoignages personnels.