Diffusé à la télévision dans les années 80, le feuilleton japonais le plus célèbre chez nous fête ses 35 ans ! L'occasion rêvée de retrouver dans cet ouvrage des archives inédites à propos des trois oeuvres cultes Bioman, Maskman et Liveman.
Avec le développement continu des technologies numériques, de nombreux artistes se sont emparés du code informatique et l'ont intégré à leur pratique artistique. Encouragés par les nouvelles possibilités offertes par l'impression 3D et la robotique, ils ont converti le code en matière, n'hésitant pas à détourner des machines. L'accessibilité à ces outils, leur mutualisation et la mise en commun des savoirs et des savoir-faire ont profondément transformé l'usage du numérique. Ce changement de paradigme a encouragé le MIAM à s'engager sur ce territoire qu'il n'avait pas encore exploré. Lieu de rencontres et de découvertes des innombrables démarches artistiques qui traversent la création, le MIAM propose dans « Fait Machine » de reconsidérer les aprioris attachés à un art faisant la part belle à l'immatériel et à la réalité virtuelle. Face aux inquiétants développements d'une intelligence artificielle s'affranchissant à grands pas du contrôle de la main, les artistes de « Fait machine » opposent le ressenti, la collaboration et la mise en commun des savoirs.
On the role of performance and audience in Nam June Paik's trailblazing media art.
This publication focuses on a feature of media artist Nam June Paik's (1932-2006) oeuvre that has been largely overlooked: the live dimension of his work, a consistent element running through his artistic career. The experience of the audience and their active involvement were crucial components in Paik's work. Starting with his early career as a composer, one focus of the book is on the way Paik approaches music as a score, a concept and an event. His artistic ideas and methods are presented with reference to key series of works?including his performances, his participatory pieces, his interest in live television and his multimedia works. This richly illustrated chronicle of his performances gives a vivid portrait of these live encounters. Specially designed pages created by the artists Annika Kahrs, Autumn Knight, Aki Onda and Samson Young underscore the relevance of Paik's work today.
L'horreur en jeu vidéo est d'abord une question de lieux, pensés comme des organismes voraces. Les espaces y sont modelés dans une matière viscérale oscillant entre un noir abyssal et un rouge rappelant la chair crue - celle des monstres qui les habitent. La maison - simple chaumière, manoir ou même château - est l'espace séminal de l'horreur vidéoludique. Dès que les moyens technologiques l'ont permis, un élargissement s'est opéré, du village à la ville, jusqu'aux vastes contrées. C'est cette faculté du jeu vidéo à se déployer en enchaînant les dispositifs voués à l'angoisse propre aux lieux d'horreur que cet ouvrage observe, puisant ses illustrations dans de nombreuses franchises vidéoludiques, entre autres Resident Evil, Alone in the Dark, The Evil Within, Silent Hill, BioShock...
Signals : the politics of video
Devenue largement accessible au grand public dans les années 1960, la vidéo est omniprésente aujourd'hui - sur nos téléphones et nos écrans, définissant de nouveaux espaces et expériences, façonnant nos idées et notre politique, et répandant la désinformation autant que la documentation. Signals: The Politics of Video retrace la manière dont les artistes ont à la fois défendu et remis en question ce genre, révélant une histoire planétaire, critique et activiste depuis ses débuts. Accompagnant une exposition au MoMa en 2021, ce catalogue comprend un essai introductif des conservateurs et six textes thématiques DE chercheurs et artistes qui explorent l'éventail des engagements artistiques liés à la vidéo, aux médias et à la sphère publique.
Dernier d'une série de trois volumes d'entretiens retraçant l'histoire de la vidéo à travers artpress, L'art vidéo 3. Redéfinitions contemporaines réunit des interviews réalisées au cours des années 2010. Elles témoignent des transformations en cours.
Même si la vidéo apparaît comme le meilleur outil pour jeter un regard critique sur le passé et le présent, les modes opératoires, les usages et les finalités sont multiples et rebattent les cartes des hiérarchies entre l'image et le son. À tel point que la vidéo, intégrée au media art ou «nouveaux médias», semble paradoxalement remettre en cause l'hégémonie du visuel.
Entretiens avec Ed Atkins, David Claerbout, Camille Henrot, Bouchra Khalili, Ariane Loze, Mika Rottenberg, Anri Sala, Wael Shawky, Hito Steyerl.
Par Safia Belmenouar, Florian Ebner, Étienne Hatt, Eleanor Heartney, Marcella Lista, Anaël Pigeat, Kathryn Rattee, Erik Verhagen.
Préface d'Étienne Hatt.
Depuis son immigration au Québec en 1999, l'artiste d'origine bulgare Theodore Ushev s'est affirmé à travers le monde par ses films d'animation puissants et poétiques, au style éminemment personnel. Au carrefour de divers médias, la peinture, le collage, la photographie, le cinéma en prises de vues réelles, le cinéma d'animation et l'art contemporain, l'oeuvre de Theodore Ushev est polymorphe et se nourrit d'influences multiples. L'artiste se les approprie et les transforme pour réaliser une oeuvre personnelle, atypique dans le paysage de l'animation. Qu'elles soient plastiques, musicales ou littéraires, les influences multiples de l'artiste nourrissent toujours une oeuvre complexe au service d'un discours radicalement politique et humain. Ce volume présente de façon exhaustive une démarche et une oeuvre à la puissance émotionnelle rare.
Theodore Ushev jouit d'une reconnaissance internationale et ses films sont régulièrement sélectionnés et récompensés dans les festivals et les prix les plus prestigieux (Oscars, Canadian Screen Award, Prix Iris, Annecy, Hiroshima, Ottawa, Zagreb, Montréal).
Le travail de Theodore Ushev combine d'une façon rare et singulière art figuratif et non figuratif et met en mouvement des images hétéroclites, allant de la peinture abstraite russe des années 1920 à de la peinture expressionniste allemande. L'artiste emprunte des formes du passé ou des techniques anciennes qu'il se réapproprie en les réinventant, comme l'encaustique à la cire chaude dans son chef d'oeuvre Physique de la tristesse (2019).
Cet hommage à un artiste fascinant, connu du public français par ses interventions récentes dans la capitale (récente Master class à l'École des Beaux-arts) et par sa présence assidue dans les festivals francophones, intéressera les amateurs aussi bien de cinéma que d'arts plastiques ou de littérature.
Spectacle-performance polymorphe mis en scène et écrit par William Kentridge, The Head & the Load explore le rôle de l'Afrique durant la Première Guerre mondiale.
Cette histoire, encore peu étudiée, est déroulée au fil de tableaux scéniques mêlant musique, danse, jeu d'acteur, projections et sculptures mécanisées. Sur un livret polyglotte (anglais, allemand, français et langues vernaculaires africaines) se déploient tous les méandres de ce conflit et l'importance cruciale qu'eurent tous les porteurs africains utilisés par les Britanniques, les Français et les Allemands. Allusion au proverbe ghanéen disant « la tête et la charge sont les ennuis du cou », cette performance théâtrale met en exergue une histoire aux lourdes répercussions politiques, humaines et sociologiques et s'inscrit pleinement dans la démarche plastique de l'artiste dont les oeuvres sont des catalyseurs politiques. Accompagné d'une distribution internationale de chanteurs, d'acteurs et de danseurs, ainsi que de son complice, le compositeur Philip Miller, William Kentridge développe avec force couleurs, projections vidéos, dessins et mots une oeuvre protéiforme. Une longue et imposante procession d'acteurs et danseurs déroule le récit de ces porteurs africains qui assurèrent le succès des vainqueurs mais restèrent dans l'ombre. L'histoire coloniale et ses répercussions dans le monde actuel sont ici reconsidérées par Kentridge. Présentée à l'été 2018 à la Tate Modern, à Londres, et à l'automne dernier à New York, The Head & the Load fera l'objet de plusieurs représentations en 2020 au Grand Palais, à Paris.
Première monographie d'une étoile montante dans le monde de la photographie et du cinéma de mode, ce volume éblouissant est rempli d'images aux couleurs luxuriantes qui capturent l'oeil de Moïse pour la beauté et le talent de conteur. Gabriel Moses n'avait que dix-huit ans lorsqu'il a reçu sa première commande de Nike. Depuis lors, le photographe nigérian britannique autodidacte a été très sollicité, avec des clients allant de Louis Vuitton et Burberry à Chanel et Vogue, et des stars telles que Pharrell Williams, AAP Rocky et Skepta. De magnifiques reproductions pleine page capturent l'atmosphère unique de Moses, marquée par des couleurs profondes et des textures riches, ainsi que sa facilité surprenante avec son sujet, que ce soit la musique, la mode ou le sport. Une série d'essais comprend une préface de Moses, qui aborde sa propre idéologie et pratique; l'exploration perspicace de Federico Sargentone de l'oeuvre de Moses; les contributions et les récits personnels de Matthew Williams, Ciesay, Clint, Samuel Ross et Slawn, entre autres; et une série dedes conversations, l'une avec Skepta discutant de la totalité de la vie, et la seconde avec Nick Knight explorant les profondeurs de la photographie. Abordant tous les aspects de son travail à ce jour, y compris un certain nombre d'images inédites, cette monographie étonnante et contemporaine, conçue par Hassan Rahim, plonge profondément dans le langage visuel de Moses et souligne son lien profond avec la famille, et la culture qui l'entoure ; sous la direction de Katja Horvat, entretien avec Sekpta et Nick Knight, texte de Federico Sargentone, impressions de Mumsy, Clint, Slawn, Katja Horvat, Ari Chanoux, Samuel Ross, Ciesay et Matthew Williams, photos en couleurs.
Publiée à l'occasion de l'exposition majeure de Francis Alÿs au Musée Cantonal des Beaux-Arts de Lausanne en 2021, cette monographie s'articule autour de quelques motifs essentiels qui caractérisent la pratique de l'artiste d'origine belge basé au Mexique : sa pratique vidéo révolutionnaire depuis trente ans ; l'importance de la déambulation et de la marche pour sa méthode artistique ; son intérêt pour les jeux d'enfants qu'il filme dans différents pays depuis 1999. De la déambulation urbaine à l'exploration des territoires et de leurs frontières documentée par des images en mouvement, le travail d'Alÿs propose une poétique de l'espace à travers des récits brefs dont la finesse et la justesse expliquent sa renommée. Si son travail interroge le lien entre acte artistique et intervention politique, l'artiste travaille toujours par allusions, avec une précision et une économie de moyens remarquables, préférant la polysémie poétique au commentaire politique frontal, privilégiant la fusion d'espaces imaginaires planifiés avec ses propres espaces fictionnels. La publication documente également Reel-Unreel, l'un des projets majeurs d'Alÿs réalisé en Afghanistan, comprenant des jeux pour enfants et des boucles d'animation dessinées à la main ainsi que des peintures et des oeuvres graphiques.
Abondamment illustré, édité et introduit par la commissaire du MCBA Lausanne Nicole Schweizer, le livre comprend des essais détaillés de Julia Bryan-Wilson, professeur d'histoire de l'art, Université de Californie, Berkeley, Luis Pérez-Oramas, commissaire indépendant et écrivain, New York, et Judith Rodenbeck, professeur associé, Département des médias et des études culturelles, Université de Californie Riverside.
Publié à l'occasion de l'exposition éponyme au Musée cantonal des Beaux-Arts, Lausanne, en 2021-2022.
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Depuis la première saison, sortie en 2011, Game of Thrones est devenue la série la plus appréciée et attendue par les fans du monde entier.
Cet ouvrage imposant présente le travail extraordinaire des artistes et des cinéastes de la série. Ce livre contient des centaines d'oeuvres d'art étonnantes, en partie inédites, des peintures de production, des concept arts et autres croquis, tous sortis directement des archives de HBO.
Présentées en grand format et réalisées avec le soin apporté aux ouvrages de luxe, les pages de cet ouvrage déroulent une chronique visuelle du travail artistique méticuleux accompli pour donner vie à Westeros.
Cet ouvrage de collection est sans aucun doute l'héritage visuel de Game of Thrones. Les fans reconnaîtront les moments forts, les scènes les plus incroyables de la série à travers les multiples images et croquis.
C'est le beau livre collector que chaque fan de la série devrait avoir.
Ce livre sur l'art de Game of Thrones permettra aux fans de replonger dans cet univers après la diffusion de la huitième et dernière saison de la série.
Plongez dans un voyage sans précédent au coeur du processus créatif qui a donné vie au monde de Westeros et d'Essos.
Que faire de ses vieilles bobines qui traînent au grenier ? Qui ne s'est pas interrogé sur le devenir de ses films de famille qui avec l'obsolescence des matériels devenaient difficiles à voir. Partant de ce constat, il y a quelques années, l'Institut Jean Vigo, relayait l'appel à collecte de la Fédération Internationale des Archives de Films (FIAF) sous le leitmotiv « Ne jetez pas vos films ! », véritable plan de sauvegarde des archives privées. Les films amateurs, les films d'entreprises, les films publicitaires ou encore institutionnels ont trouvé une seconde jeunesse au sein de la cinémathèque. L'objet de ce livre/DVD est donc d'offrir au public un ensemble raisonné de films autour d'un objet patrimonial décrit par les films déposés à l'Institut Jean Vigo. Notre choix s'est porté pour ce premier ouvrage, que l'on espère suivi d'autres, sur le patrimoine maritime. Le DVD s'organise en cinq thèmes : De Port-Camargue à Cerbère ; Histoire de pêcheurs ; Bateaux petits et grands ; Bords de mer et canetons ; Le littoral, rêves d'architectes. L'identité littorale du golfe du Lion y est longuement révélée. La musique originale est signée Virgile Goller.
Le livre quant à lui offre une contextualisation des images. Les auteurs venant d'horizons différents, spécialistes et passionnés, nous donnent à travers leurs contributions des pistes de lecture. Les diverses activités littorales : pêche, navigation, tourisme y sont présentées dans leur évolution depuis leur aspect traditionnel jusqu'au triomphe de la modernité. À propos de la collection «Mémoire filmique du sud» L'Institut Jean Vigo et la Cinémathèque de Toulouse ont lancé le projet « Mémoire filmique du Sud » en 2012. Ce projet consiste en la collecte de films et en leur numérisation afin de les mettre en ligne sur un site internet commun. Les films deviennent ainsi accessibles à un large public, aux chercheurs et aux professionnels de l'histoire et/ou de l'image. Les films collectés sont des documents de patrimoine portant un intérêt régional. Composé de films amateurs, institutionnels et d'entreprises, ce corpus de films est une source précieuse pour l'histoire des deux régions.
Entre 2006 et 2015, Ali Kazma développe une oeuvre vidéo principalement articulée en deux séries, intitulées Obstructions et Resistance. De durées variables (entre 5 et 17 minutes chacune), ses vidéos explorent l'univers de la production industrielle, artisanale et artistique, constituant une immense archive du monde du travail contemporain. Chaque oeuvre est une étude des gestes d'ouvriers, de leur rapport à la machine et aux outils, des rythmes de travail et de la cadence des chaînes de production automatisées. De la Réserve mondiale des semences à la cryogénisation, de la taxidermie à l'art du tatouage, d'une opération chirurgicale du cerveau à une usine d'automobile entièrement automatisée, Ali Kazma interroge les effets de la recherche et du progrès scientifique sur l'activité humaine, mais aussi le contrôle que l'homme exerce sur son environnement et sa volonté constante de transformer la matière. La perfection, l'expertise scientifique et artistique ou encore la résistance des corps sont autant de notions abordées dans ses oeuvres.
Auteurs : Selen Ansen et Pia Viewing, entretien avec Paul Ardenne et Barbara Polla.
Notre culture est celle de l'image, et surtout celle de l'image animée. Les vidéos s'affichent avec profusion sur tous nos écrans, nous filmons sans cesse, que ce soit avec nos téléphones, actioncams, appareils photo ou caméras. Et même si certains plans isolés peuvent présenter un intérêt, la plupart n'en auront que s'ils sont assemblés pour raconter une histoire, créer un film. Le montage est donc essentiel.
Que vous soyez vidéaste amateur, monteur habitué à un autre logiciel ou photographe se mettant à la vidéo, cet ouvrage profondément remanié et actualisé à l'occasion de cette nouvelle édition est là pour vous accompagner dans l'excitante aventure du montage virtuel avec Premiere Pro. Son ambition n'est pas de dresser un inventaire exhaustif de toutes les fonctionnalités du logiciel, mais de vous guider pas à pas dans la création d'un premier film tout en vous donnant les clés pour que vous puissiez ensuite aller plus loin en toute autonomie, et réaliser avec plaisir des vidéos de tous types, au rendu professionnel.
Dans le cadre de la commémoration de la Réforme en 2017, les Deichtorhallen de Hambourg présentent une exposition de grande envergure de l'artiste médiatique américain Bill Viola (*1951 à New York) avec 13 des installations vidéo qu'il a créées depuis 1992. Son travail tourne autour des thèmes centraux de l'existence humaine - naissance, émotion, spiritualité, amour et mort. L'artiste s'intéresse surtout aux traditions mystiques en général, du christianisme au bouddhisme zen et à l'islam. L'esthétique des images s'y appuie parfois fortement en ultra slow motion à l'iconographie du Moyen-Âge ou de la Renaissance - ces tableaux uniques en leur genre transmettent avec une puissance prodigieuse couplée à une exigence extrême de forme l'expérience du sublime et du spirituel avec les moyens que propose le langage des images du 21e siècle globalisé.
Attention émission culte !
~3 octobre 1983 : un OVNI télévisé appelé Téléchat atterrissait sur Antenne 2 à la fin de la très populaire émission " Récré A2 ".
Né de l'imagination de Roland Topor, Henri Xhonneux et Éric Van Beuren, un trio franco-belge bien déterminé à offrir un programme pour enfants résolument différent, il a autant étonné que détonné dans ce que l'on n'appelait pas encore le PAF. Propulsé à l'antenne par Jacqueline Joubert, alors directrice de l'unité jeunesse de la chaîne, ce journal de marionnettes pas comme les autres allait ensuite attirer des millions de téléspectateurs chaque soir. Prouvant ainsi que l'inventivité et l'ingéniosité sans bornes de l'équipe de Téléchat avaient su pallier avec brio les limites fixées par un budget restreint. De ce petit bijou atypique, Roland Topor aimait d'ailleurs à dire qu'il avait été fait " à la main et au beurre d'anchois ".
Ce livre, richement illustré de photos et de documents inédits, rend hommage à la singularité de cette série qui a marqué toute une génération de téléspectateurs.
Qu'est-ce qu'ATHLETICUS ?
Hippopotames judokas, autruches gymnastes, éléphants basketteurs, otaries arbitres... des animaux sauvages rivalisent lors d'épreuves athlétiques. Du tennis à la barre fixe, en passant par le tir à l'arc et le saut en hauteur, ils réagissent selon leur personnalité et les particularités de leur anatomie, créant des situations comiques ou poétiques, mais toujours décalées.
The curator who founded MoMA's video program recounts the artists and events that defined the medium's first 50 years.
Since the introduction of portable consumer electronics nearly a half century ago, artists throughout the world have adapted their latest technologies to art-making. In this book, curator Barbara London traces the history of video art as it transformed into the broader field of media art - from analog to digital, small TV monitors to wall-scale projections, and clunky hardware to user-friendly software. In doing so, she reveals how video evolved from fringe status to be seen as one of the foremost art forms of today.
La France a su créer un écosystème unique au monde en ma4ère de cinéma, permetiant une produc4on abondante et souvent de qualité. À tel point que de nombreux acteurs étrangers cherchent à béné?cier de ce système : le cinéma français est ainsi le plus interna4onal au monde, celui qui compte la plus grande proportion de coopérations internationales. Cannes reste d'ailleurs le passage obligé aussi bien pour les ?lms d'auteur américains que pour les productions de pays tiers (autres que français ou américains). La martingale que la France semblait avoir trouvée avec un public nombreux en salle, des modes de ?nancement inventifs et une chronologie des médias réglée comme du papier à musique s'est grippée avec l'arrivée en force des GAFAN mais aussi avec la décon?ture de Canal+ et les changements d'habitudes de consommation culturelle. L'auteur analyse les dé?s posés au cinéma français dans une approche originale de participation observante : elle décrit un milieu, sa vie et ses habitudes, de l'intérieur, en tant que scénariste, actrice mais aussi épouse de producteur, tout en gardant son regard de sociologue. Loin d'un discours docte, elle nous promène d'interviews en rencontres dans les coulisses d'une industrie en proie au doute. Dévoilant les rouages d'un tournage précis, Pauline Gauquié n'en délaisse pas moins les négociations interna4onales en cours qui, du bras de fer franco-américain sur le sujet aux atermoiements de l'Europe et aux discussions au sein de l'OCDE, conditionneront l'avenir du secteur également très fragilisé par le covid.
Comment figurer des sons ou à l'inverse entendre une image, au cinéma comme dans les images fixes ? Une dizaine de spécialistes de domaines variés explorent la façon dont les artistes, de l'Antiquité à nos jours, ou les journalistes font dialoguer les images et les sons et analysent les conditions de réception de ces oeuvres auprès du spectateur.
Ce 3e volume de la collection « Images in situ » fait suite au colloque de Perpignan tenu en septembre 2021 pendant le festival Visa pour l'image. L'ouvrage invite à réfléchir sur les liens existants entre l'image et le son dans toute leur diversité (musiques, paroles, bruits). Comment figurer un son ou à l'inverse faire « entendre une image » ? Le cinéma, la série télévisée, le reportage vidéo et la création contemporaine, alliant musiques et images, ont toute leur place ici, mais qu'en est-il pour les images fixes : peintures, dessins, photos ? Développant une approche résolument diachronique et interdisciplinaire, les auteurs n'ont pas confronté images et sons mais au contraire exploré sur le temps long la façon dont les propositions artistiques ou journalistiques les entrelacent. Une typologie se dégage, avec en premier lieu les images dites « muettes » qui évoquent les sons en impliquant les compétences et l'expérience de celui qui regarde ; suivent les cas de translation de l'image vers le son en art comme dans le journalisme ; et enfin les films parlants où le son et la musique ne se contentent pas de compléter l'image mais entrent en résonance avec elle pour mieux captiver le spectateur.
Ridykeulous presents : Ridykes' cavern of fine inverted wines and deviant videos
The first exhibition catalogue of the acclaimed queer, feminist curatorial initiative Ridykeulous, marking the occasion of their first institutional presentation in Europe at Nottingham Contemporary.
Founded in 2005, Ridykeulous mounts exhibitions and events primarily concerned with queer and feminist art. This publication will be the first exhibition catalogue by Ridykeulous, joined by Sam Roeck, and will accompany the fall 2023 exhibition Ridykes' Cavern of Fine Inverted Wines and Deviant Videos at Nottingham Contemporary. With newly commissioned texts by writer and performer Laurie Weeks and Alexandro Segade of the artist collective My Barbarian, the catalogue will be complemented by a conversation between Ridykeulous members Nicole Eisenman and A. L. Steiner, providing insights into the collective's thinking, politics, behind-the-scenes notations, and methods of exploration, as well as an introduction by Nottingham Contemporary's Chief Curator Nicole Yip.
Using humor to critique the art world and heteropatriarchal culture at-large, Ridykeulous often reinvents language to reflect their sensibilities and concerns-composing communiqués, screeds, and diatribes across various media. The exhibition features an intergenerational mix of 30 contemporary visual artists working across film, video installation, sculpture, and performance. Playfully proposing queer fabulosity as a critical intervention in the capitalist spectacle, the exhibition seeks to erode the secondary positioning of LGBTQ+ art and artists as «alternative.» Designed by the Zürich-based Studio Marie Lusa, the publication will evoke the textual feeling of a zine, with over 100 full-color and black-and-white image plates.
La « Post Performance » vidéo telle qu'incarnée dans la pratique de quatre artistes basés ou liés à Los Angeles : Coleman Collins, Rodney McMillian, Nathaniel Mellors et Anna Wittenberg.
Les quatre artistes choisis vivent à Los Angeles ou ont été formés dans cette ville. La Post Performance est un concept inventé par Marie de Brugerolle, commissaire de l'exposition, pour qualifier l'héritage et l'impact de la performativité sur les arts visuels après les années 1970. Depuis 2012, elle s'intéresse aux formes que cela produit.
L'exposition est un choix d'oeuvres exemplaires de cela, sans les labelliser pour autant. Le fil qui les relie est une relation particulière à l'objet et au dessin, en tant que script, accessoire, décor ou contre-point à l'image projetée. Il s'agit de proposer des installations ou mise en espace de l'image-mouvement polymorphe.
Les oeuvres sont toutes inédites en France, et pour la plupart, produites pour l'exposition (Anna Wittenberg, Coleman Collins).
Publié à l'occasion de l'exposition éponyme au Carré d'art, Nîmes, du 1er décembre 2021 au 17 avril 2022.
Événement, Sonic à Paris : Rencontrez une icône du graffiti New-Yorkais !lt;br /gt;lt;br /gt; A Gagner : 3 oeuvres originales peintes par l'artiste sur d'authentiques plans du métro new-yorkaislt;br /gt;lt;br /gt; Tout l'agenda de la rentrée lt;br /gt;lt;br /gt; Interviewslt;br /gt; - MILLO et ses mises en perspectives décalées. lt;br /gt; - INTI, « Inca » vraiment à part !lt;br /gt;lt;br /gt; Rencontreslt;br /gt; - Les chemins de vie d'ENSEMBLE RÉEL. lt;br /gt; - Avec MOSKO, les animaux font le mur !lt;br /gt;lt;br /gt; Dossierlt;br /gt; Dans les Arcanes de l'Art Urbainlt;br /gt; La mission d'Arcane ? Préserver la mémoire des fresques présentes dans l'espace public.lt;br /gt;lt;br /gt; Les M.U.R.s envahissent la France !lt;br /gt; Alors que le 53ème M.U.R. vient d'ouvrir à Bastia, retour sur une exception culturelle française.lt;br /gt;lt;br /gt;lt;br /gt; URBAN ARTS s'est donné comme mission de répondre à l'intérêt croissant des amateurs et collectionneurs d'Art Urbain, en dressant un portrait pointu de la création contemporaine à l'échelle internationale.
