• L'image romantique de l'artisan seul dans son atelier a laissé la place à celle du créateur au travail dans son laboratoire, une fonderie ou même une usine. L'artisanat a évolué, combinant travail manuel et technologie, offrant ainsi des possibilités quasiment illimitées aux designers de créer des meubles uniques pour les galeries, les expositions et ou des clients sophistiqués. Cette synthèse de l'art, du design et de la technologie a donné naissance à une multitude de pièces de collection très recherchées.

    Cet aperçu complet du mobilier contemporain célèbre les réalisations d'une sélection internationale de designers produisant des oeuvres d'expression artistique individuelle que l'on trouve aussi bien dans des musées que chez des particuliers.

    Présentant plus de 400 pièces, des tables et des chaises aux finitions impeccables, fabriquées à partir de matériaux naturels, au mobilier expérimental à la frontière entre art et artisanat, cet ouvrage est une première.

    Structuré par type d'objets et par créateur, le livre présente également quelques lieux (studios, usines) dans lesquels ces meubles uniques sont fabriqués, ainsi qu'une sélection d'intérieurs majeurs montrant des meubles de collection in situ.

    La personnalisation et l'exclusivité dans le design sont de plus en plus prisées dans un monde qui revient aux valeurs de l'artisanat authentique. Ce panorama richement illustré séduira aussi bien les connaisseurs de design que les collectionneurs et toute personne intéressée par la conception de meubles sur mesure.

  • Un voyage visuel à travers le spectre chromatique, illustré par le meilleur de la décoration intérieure contemporaine.

    Plongez dans la tendance actuelle des intérieurs colorés avec cette sélection intelligente d'intérieurs élégants, révélant une gamme complète de teintes et de nuances. Classé par couleur, du blanc pur au noir profond, des roses, orange et rouges chaleureux aux verts frais et aux bleus apaisants, Living in Color explore et célèbre pour les couleurs vives et la transformation audacieuse et énergisante de nos espaces de vie, quelle que soit leur taille et l'endroit.

  • Personnalité incontournable et historique dans le design graphique et l'édition, Etienne Robial est au croisement de plusieurs disciplines : artiste, éditeur, enseignant, et designer. L'homme rassemble aujourd'hui dans ce livre ses mémoires d'orfèvre du regard, de manipulateur visuel et d'historien des formes. Le concepteur de l'identité visuelle télévisée la plus marquante du XXe siècle (Canal+) soumet à la postérité l'ensemble complet de tous ses travaux, toutes ses recherches personnelles et contributions célèbres ou méconnues à partir des alphabets qu'il a conçu tout au long de sa carrière.
    Sur 400 pages abondamment illustrées par des photos et des croquis issues de ses archives personnelles (plus de 2000 documents), Etienne Robial détaille et commente lui-même 50 ans de travail qui appartient maintenant au patrimoine culturel français (Futuropolis, Métal Hurlant, A Suivre, L'Equipe, Les Inrocks, PSG...). La relation clé qu'entretient Etienne Robial avec les alphabets, sa science, son art et son érudition de la lettre et de l'image habitent les pages de ce livre et sont maintenant à partager avec tous les amateurs d'art, de design et d'histoire ; qu'ils soient profanes, étudiants ou professionnels.
    Ouvrage-somme de référence sur l'intégralité de l'oeuvre de Etienne Robial, cette monographie désire faire rencontrer au public actuel et futur toute l'oeuvre et la chaleur d'un créateur français hors du commun. Préfaces de Pierre Lescure et de 26 personnalités du graphisme, de l'édition et de la bande dessinée.

  • « Assis sur une couleur qu'on aime, on est plus à l'aise. » Verner Panton.

    La couleur joue un rôle essentiel dans notre rapport aux objets. Cette anthologie, qui réunit meubles, tissus, luminaires et objets de décoration, illustre à quel point la couleur est devenue la caractéristique majeure d'objets emblématiques des cent dernières années. Grâce à des textes courts, Un siècle de design en couleurs présente un panorama historique précis du rôle de la couleur dans le design et son importance grandissante dans la conception. À travers 250 objets qui fusionnent couleur, forme et culture, cet ouvrage montre comment la couleur occupe une place toujours plus marquée, depuis le Bauhaus jusqu'à aujourd'hui.

  • Un guide incontournable et inédit racontant un siècle de design industriel à travers les modèles déposés de 1 000 objets.

    Rassemblant les dessins et modèles déposés de 1 000 objets anonymes ou devenus des icônes du design, indispensables dans nos maisons ou nos bureaux, ce recueil célèbre le génie créatif de designers, d'inventeurs et de rêveurs du monde entier. La diversité des objets est phénoménale :
    Des pièces de Philippe Starck, Charles Eames, Isamu Noguchi, Ettore Sottsass, Raymond Loewy et George Nelson partagent ces pages avec des créations du quotidien telles que des distributeurs de ruban adhésif, des ventilateurs ou des bouteilles, afin de proposer aux lecteurs un livre de référence aussi précieux qu'irrésistible à feuilleter.

  • Toit et moi : du décor de la maison au bien-être intérieur Nouv.

    Décorer et harmoniser sa maison avec Billie Blanket et Caroline Watelet En s'appuyant sur les principes de base du feng shui, ce livre vous permettra de poser un nouveau regard sur votre intérieur et de découvrir les clés pour en prendre soin, en conscience :
    . une analyse précise, pièce par pièce, d'un point de vue psychologique et énergétique ;
    . des thématiques approfondies : les effets des couleurs sur notre psyché, comment purifier un lieu, savoir trier, maîtriser l'emplacement des portes et des miroirs ;
    . pour aller plus loin, des entretiens avec des experts en philosophie, psychologie, sociologie et décoration ;
    . des schémas détaillés pour comprendre la circulation de l'énergie (chi) à l'intérieur de la maison ;
    . enfin, des photos d'inspiration pour se nourrir et mettre en application les principes de cet ouvrage.

    320 pages pour décrypter votre intérieur et créer, en tous points, un décor qui vous ressemble et vous soutienne. Entrez donc, vous êtes les bienvenus.

  • Cet ouvrage propose une visite des principales résidences présidentielles : le palais de l'Élysée, l'hôtel de Marigny voisin, le pavillon de la Lanterne au fond du parc de Versailles, le palais de l'Alma et le fort de Brégançon. C'est là que se déploie aujourd'hui l'excellence des artisans français, des restaurateurs d'oeuvres d'art, des tapissiers, des jardiniers aussi... On découvrira au fil des pages les réussites des artistes qui travaillent pour les manufactures et le Mobilier national, dans ces lieux où se perpétuent la grande tradition française des arts décoratifs.

  • Ces réflexions exprimées sous forme d'un carnet de notes personnelles sont nourries d'anecdotes et d'exemples illustrés. Pour compléter ces thématiques générales, une partie de l'ouvrage se concentre plus précisément sur le design de livres et la conception de couvertures. L'auteur y décrit avec beaucoup de pédagogie et d'humour différentes manières d'aborder ce travail si particulier d'alliance des mots et du dessin.
    La question que pose Bunpei Yorifuji pourrait être : qu'est-ce que le design graphique, et comment exercer la profession de graphiste aujourd'hui ? L'auteur propose d'y répondre comme à son habitude, en texte et en image, mêlant dessins pédagogiques et recherche approfondie : un livre à mettre entre les mains de toutes celles et ceux qui cherchent à mieux comprendre le métier de graphiste et d'illustrateur et découvrir toutes les questions transversales qui nourrissent cette pratique au quotidien.

  • Rien n'est plus intimidant que la couleur en décoration, quand on sait qu'elle va influencer la vie et l'humeur de ceux qui vont habiter les lieux... Jeux de couleurs, Décoration d'intérieur étudie chaque couleur et ses effets, ainsi que la manière de l'associer avec d'autres pour créer une ambiance adaptée à chaque pièce de la maison ou du bureau. Vous apprendrez ainsi quelle couleur ou association de couleurs viendra réchauffer ou éclairer une pièce un peu sombre, quelle autre mettra en valeur ou camouflera des éléments architecturaux particuliers... En début d'ouvrage, un index visuel rassemblant 200 couleurs dominantes classées en 9 familles chromatiques - roses, rouges, orangés et bruns, jaunes, verts, bleus, violets, couleurs neutres, gris - vous aidera à choisir le ton général de la pièce à aménager. Pour chacune, Anna Starmer propose ensuite une palette lui associant jusqu'à quatre autres couleurs jouant les contrastes et l'harmonie. Classiques et quasi intemporelles ou, au contraire, plus surprenantes, ces palettes apporteront chaleur, fraîcheur ou originalité dans votre intérieur. Des conseils vous aideront à envisager la pièce dans sa globalité : murs, sols, rideaux, tapisserie des sièges, vases et objets... Conçu par une spécialiste de la couleur en décoration, cet ouvrage pratique, monté sur spirale, vous aidera à faire de la couleur un jeu et un plaisir. Un best-seller incontournable !

  • A designer's art Nouv.

    A designer's art

    Paul Rand

    A Designer's Art «P aul Rand is an idealist and a realist, one who uses the language of the poet and the businessman. He thinks in terms of need and function . . . but his fantasy is boundless.» -L. Moholy-Nagy Paul Rand (1914 -96) was incontestably one of the leading graphic designers of the twentieth century. His pioneering work in the field of advertising design and typography exerted a profound influence on the design profession. Applying the lessons of modern art, particularly those of the Bauhaus, to art in the service of business, he almost single-handedly transformed «commercial art» from a practice that catered to the lowest common denominator of taste to one that asserted its place among the fine arts.
    Paul Rand: A Designer's Art brings together many of Rand's best essays on design and a wide selection of his brilliant graphic work from the 1930s to the 1980s. This book reprises the essays from his classic 1947 text, Thoughts on Design, most of which were updated by Rand in 1984. It also covers his subsequent work in advertising design, corporate identity, design teaching, and typography- areas in which he created exemplary and inventive work. Among the topics he explores are the role of humor in design, the trademark (the most ubiquitous of Rand's trademarks are those of IBM, ABC, UPS, and Westinghouse), design and the play instinct, the complexity of color, the role of symbols, the art of the package, and the politics of design. Each of the essays is illustrated with examples of Rand's work-posters, book jackets, product advertisements, corporate trademarks, packaging, interiors-as well as the work of artists he admired.
    For the design student, teacher, professional designer, and, indeed, for anyone interested in the creative communication of ideas, Paul Rand: A Designer's Art remains both provocative and enlightening.
    À travers 27 essais, Paul Rand donne à voir ses méthodes de travail et inspirations sous un angle privilégié. Il y détaille les principes théoriques qu'il s'est attaché à suivre et a tenté d'appliquer tout au long de sa carrière, mais revient également sur son rapport aux clients et sa perception du travail de commande en design graphique.
    À la différence d'un grand nombre de monographies, le présent ouvrage interroge la pratique du design sous l'angle de la réflexion, et non uniquement sur le plan visuel.
    Il en résulte ainsi un livre qui vise non seulement à être regardé, mais également à être lu. Chacun de ces essais mêle références artistiques et littéraires et témoigne de l'importance de la pluridisciplinarité dans le travail de Paul Rand.
    L'ouvrage est l'unique source d'information de cette ampleur sur le travail de Paul Rand à l'heure actuelle en France, ce livre a été conçu par l'auteur comme étant celui à travers lequel il souhaitait synthétiser l'ensemble de sa pratique. Il revient ainsi à la fois sur son travail de design de logos pour des grandes marques, mais décrit également ses projets de design de couvertures de livre ou de magazines pour des structures plus modestes.
    Cet inventaire non-exhaustif du travail de Paul Rand se révèle être un véritable outil pour les étudiants, enseignants et professionnels en design graphique soucieux de perfectionner leur pratique et de se questionner sur leur travail. Cet ouvrage s'attache en effet à montrer comment certains principes fondamentaux et intemporels qui encadrent la pratique du design - comme ceux de l'équilibre, l'harmonie des couleurs et la gestion de l'espace - peuvent être détournés pour être perçus sous un angle nouveau.

  • Pour les Japonais, le concept de design ne se limite pas aux seuls aspects fonctionnels ou matériels : il plonge ses racines dans des rituels et des pratiques cultures anciennes. Les objets sont le fruit d'une réflexion. La rencontre des traditions artisanales et des innovations technologiques donne naissance à des objets à la fois utiles et d'une beauté intemporelle, qui encouragent à leur tour l'invention de nouvelles formes et de nouvelles matières. Au-delà des grandes icônes du design japonais - la bouteille de sauce soja Kikkoman, le tabouret papillon de Yanagi, le Walkman Sony - les produits et les objets nés au Japon au cours des soixante-dix dernières années ravissent l'oeil et forcent l'admiration. En présentant plus de 80 designers et des centaines d'objets, il restera pour longtemps l'ouvrage le plus complet sur le sujet.

  • De fil en aiguille : la broderie dans l'art contemporain Nouv.

    Dans les années 1960, des artistes féministes se sont emparées des travaux d'aiguille et ont utilisé la broderie dans leurs oeuvres. Elles ont ainsi permis à cette technique de ne plus être considérée comme un loisir essentiellement féminin et de quitter le domaine artisanal.
    De manière académique ou avec une entière liberté, les brodeurs contemporains rencontrés par Charlotte Vannier se saisissent de toutes sortes de supports (toile de coton, photographies, plastique, aliments, grillages) pour réaliser des oeuvres miniatures ou colossales, monochromes ou bigarrées, graphiques, abstraites ou figuratives, délicates ou brutales.
    De fil en aiguille présente le parcours de 82 artistes de toutes générations et de tous continents, leurs influences, les défis techniques auxquels ils se confrontent et le message qu'ils souhaitent transmettre à travers leurs oeuvres.

  • Entretien avec fanette mellier - illustrations, couleur Nouv.

    Autrice de plus d'une dizaine d'ouvrages, Fanette Mellier explore en tant que designer graphique et depuis une vingtaine d'années les possibilités laissées par l'impression dans le cadre de son travail de graphiste. Chacun de ses ouvrages expérimente de nouvelles techniques (utilisation d'encres blanches ou phosphorécentes, de la surimpression...) et propose une nouvelle manière de concevoir le livre en tant qu'objet. La manipulation des lettres et le dessin de caractères, mais aussi le travail du papier et de la couleur sont ainsi placés au centre de son travail de création. Installée comme graphiste indépendante depuis 2005, Fanette Mellier a également réalisé divers travaux de commande pour des institutions comme Le Museum national d'Histoire naturelle, Le Centre Pompidou, ou le Ministère de la Culture. À travers cet entretien structuré en trois chapitres portant sur son travail de designer typographique, d'autrice, et de designer graphique, Fanette Mellier revient sur son parcours riche et éclectique. Elle y dévoile ses méthodes de travail, ses affiliations artistiques et propose une analyse de sa pratique à mi-chemin entre illustration et graphisme. L'ouvrage sera illustré d'une cinquentaine de photographies en couleur permettant de donner à voir certains exemples représentatifs du travail de Fanette Mellier. La parution de cet ouvrage est concomittante avec l'inauguration de l'exposition monographique qui lui sera consacrée à la Biennale internationale de design graphique de Chaumont et sera visible du 23 mai au 22 septembre 2021.

  • Classé au titre des monuments historiques depuis 1875 sous l'impulsion du propriétaire de l'époque, le château de Vaux le Vicomte s'est très vite imposé comme un modèle du génie artistique du XVIIe siècle. Nicolas Fouquet, propriétaire d'origine, a su s'entourer des esprits les plus brillants de son époque, l'architecte Louis Le Vau, le peintre Charles Le Brun et le jardinier André Le Nôtre, pour créer une harmonie parfaite entre architecture et paysage. À l'occasion de cet ouvrage, des photographies inédites et réalisées pour l'ouvrage du château et de ses jardins ont été réalisées.

  • « Je rêve en couleurs, depuis toujours. Et je m'applique toujours à réaliser mes rêves dans les plus petits détails. Je crois profondément que notre attitude en dit beaucoup sur notre capacité à embrasser la vie. Dans notre appropriation des couleurs, ne soyons pas trop sages ! Oser la couleur, c'est laisser parler son instinct, être à l'écoute de ses émotions, et garder ses sens en éveil. ».

    Dans cet ouvrage, la célèbre designer et décoratrice d'intérieur Sarah Lavoine partage avec nous son univers, teinté de couleurs pures, entières, franches, lumineuses, joyeuses. Des couleurs intemporelles, des couleurs qui durent, aux noms évocateurs.

    Pour suggérer la douceur d'un Baby Pink, révéler la profondeur d'un Red Hook, ou expliquer le succès d'un Bleu Sarah, l'auteur revient sur son enfance, nous entraîne dans ses voyages, à la découverte des artistes qui la touchent ; elle nous parle de son quartier, de sa famille, de son besoin de nature.

    Une fois ces teintes apprivoisées, elle nous invite à explorer l'immensité de leur potentiel. Dans l'univers de Sarah Lavoine, les couleurs s'expriment à plusieurs. Pour chaque teinte, de nombreuses gammes et des exemples de réalisations permettront aux plus timorés de se projeter, pour se lancer et créer leur propre cocon. Tout en gardant en tête que, dans cette prise de risque positive, on a tous le droit à l'erreur ! Si on se trompe, c'est simple, on recommence.

    Un livre sensuel, qui nous rappelle que la manière dont nous pensons notre intérieur met en lumière notre âme, et qu'il est facile de définir son style si l'on est sincère.

  • À l'été 2013, alors qu'il a un peu de temps à perdre, le designer Anthony Guerrée se découvre proustien. Il imagine alors de dessiner et faire fabriquer des chaises inspirées des personnages d'"À la recherche du temps perdu". Ce livre restitue cette quête à travers un carnet de recherches mais aussi une réflexion profonde sur les liens entre la littérature et le design. Préface de Jérôme Bastianelli, président de la Société des Amis de Marcel Proust. Portraitisation et postace d'Émilie Houssa.

  • L'ode de Phaidon à la décoration intérieure mondiale maintenant disponible avec une élégante couverture en velours vert.

    Organisé alphabétiquement par nom de créateur, Décoration : Les plus beaux intérieurs du siècle est le guide incontournable du design et de la décoration d'intérieurs. Au-delà des décorateurs, designers et architectes, ces intérieurs d'exception ont pour certains été conçus par des couturiers, des artistes, des influenceurs et des stars de cinéma, qui ont tous contribué à leur manière à l'évolution de cet art. Dans cet ouvrage, 400 intérieurs sont présentés, créés à partir du début du xxe siècle dans plus de 25 pays :
    Châteaux, maisons de ville, appartements luxueux, ranch au coeur du désert, villas de bord de mer et autres pépites. Décoration est un ouvrage de référence et une source d'inspiration essentielle pour tous les amateurs de design, maintenant dans une magnifique couverture en velours vert.

  • Monument emblématique de la place de la Concorde, l'Hôtel de la Marine est un superbe ensemble architectural bâti au XVIII? siècle par Ange Jacques Gabriel, premier architecte du roi Louis XV. Avant d'être occupé pendant plus de deux cents ans par le ministère de la Marine, l'édifice accueillit jusque dans les années 1790 le Garde-Meuble royal, une prestigieuse institution ancêtre du Mobilier national.En charge de l'aménagement et du mobilier des résidences des souverains, le Garde-Meuble avait aussi pour mission la conservation et la présentation des collections royales ainsi que des fameux joyaux de la Couronne.Au terme d'une exemplaire campagne de restauration menée depuis 2017 par le Centre des monuments nationaux, l'Hôtel de la Marine dévoile aujourd'hui ses splendeurs retrouvées.De l'histoire du monument à sa renaissance actuelle, des espaces de représentation aux appartements privés des intendants du Garde-Meuble, cet ouvrage explore par des textes pertinents un site d'exception sublimé par une campagne photographique inédite.Cet ouvrage se propose de parcourir l'histoire de l'Hôtel de la Marine et de découvrir la métamorphose de ce chef-d'oeuvre du patrimoine parisien somptueusement restauré sous la direction du Centre des monuments nationaux. Un exceptionnel lieu de mémoire où les décorateurs Joseph Achkar et Michel Charrière ont ressuscité les fastes du XVIII? siècle et dont le photographe Ambroise Tézenas a capturé l'esprit et la poésie.

  • Dans ce bel ouvrage très illustré, Isabelle d'Ornano, co-fondatrice de la marque de phyto-cosmétologie française Sisley, nous invite à explorer les lieux de vie qu'elle a créés au fil des ans. Pour la première fois, elle ouvre les portes de ses intérieurs personnels, familiaux et professionnels. Autant singuliers qu'exceptionnels.

    Au fil des pages, le lecteur plonge avec délectation dans l'univers d'Ornano : au coeur d'un appartement parisien, « un monde profond et chatoyant où se marient portraits anciens et oeuvres contemporaines », puis dans celui de La Renaudière, maison de campagne et lieu de rassemblement familial, véritable paradis de nature dans les Pays de la Loire. Ce voyage intimiste se poursuit à Londres et s'achève à Paris au sein du Siège de la marque Sisley, créée avec son époux Hubert d'Ornano, et des Maisons Sisley, qu'elle a voulues toutes uniques et différentes, à Paris et dans le monde.

    Dans chacun de ces lieux, la magie opère, entre luxe et spectaculaire, nous faisant voyager à la rencontre des artistes et des personnalités dont les amitiés ont jalonné l'existence d'Isabelle d'Ornano. Ici, le beau règne en maître et se décline au travers des collages et des peintures, des aquarelles et des sculptures, des tableaux animés et des bronzes sculptés ... Mais aussi au travers des coussins porteurs de messages, qu'Isabelle brode, un par un, comme elle écrirait des cartes postales pour l'amour des mots et des couleurs...

    Cet ouvrage est également ponctué de mots d'Isabelle d'Ornano et de mantras de personnalités. Une formidable source d'inspiration pour les amateurs de décoration et pour tous ceux qui seront sensibles à cette alliance née de contrastes, d'audace et de talent.

  • Un panorama qui retrace l'histoire du design en replaçant les grands mouvements et les chefs-d'oeuvre dans le contexte social, technologique, esthétique et culturel de leur époque

  • Les années 2000 ont été marquées le développement du mouvement maker (résultat de la convergence entre la culture numérique de l'open source et des savoir-faire artisanaux), du do it yourself et de la fabrication numérique à l'échelle individuelle, remettant en cause la frontière entre experts et citoyens ordinaires. En bousculant les codes traditionnels du travail, de la production et de l'esprit d'entreprise, le bourgeonnement de pratiques créatives collectives au sein de communautés d'amateurs (notamment par le biais des FabLabs) a entrainé une métamorphose du capitalisme industriel tel qu'il prévalait jusqu'alors. Les activités de création et de fabrication numérique entendues comme les expressions les plus avancées de nouvelles logiques de production ont engendré des schémas de travail qui ont redessiné peu à peu les contours d'une production revendiquée comme appartenant au courant de l'open design, plus « ouverte », libre ou décentralisée. Plus qu'un état des lieux, l'enquête conduite par Camille Bosqué revient sur des objets ou projets emblématiques du mouvement maker qui ont contribué à renforcer l'importance de l'open design dans le développement de produits concrets, de machines et de systèmes spécifiques au moyen d'informations partagées par tous. Dès lors, ce livre propose d'envisager le design non pas comme une technique ou un métier au service de la rentabilité et de la production de l'industrie classique, mais davantage comme une manière de faire plus exploratoire, qui prend forme dans les marges et se situe historiquement au coeur de multiples contradictions et débats.

  • Figure majeure du design graphique européen contemporain, Wim Crouwel (1928-2019) a marqué l'histoire de la discipline par sa pratique étendue du design, appliquée tant au domaine culturel qu'au domaine commercial. Au cours de sa carrière, il a réalisé à la fois des travaux de création typographique, des identités visuelles, de la signalétique, des affiches, des travaux d'édition, ou encore la scénographie d'expositions.
    Cet ouvrage constitue la première publication en langue française sur le travail de Wim Crouwel, dont l'influence se confirme aujourd'hui auprès des jeunes générations.
    Dès les années 1950, et durant les décennies suivantes, ce néerlandais, dont le rayonnement dépasse largement les frontières des Pays-Bas, est parvenu à développer une approche de la création graphique alliant l'héritage moderniste à la fantaisie du pop.
    À travers trois textes rédigés par Wim Crouwel, Catherine de Smet et Emmanuel Bérard, cet ouvrage témoigne de la diversité de l'oeuvre de Wim Crouwel et revient sur son travail sur les identités visuelles, l'édition, ou la création d'affiches.
    Abondamment illustré, ce livre se concentre tout particulièrement sur la mise en pages des catalogues réalisés pour des musées tels le Stedelijk Museum d'Amsterdam, ainsi que sur la genèse et la présentation du New Alphabet, créé entre 1964 et 1967. Cet ouvrage est une réédition réactualisée de la version parue pour la première fois en 2007 à l'occasion de l'inauguration de l'exposition « Wim Crouwel, Architectures typographiques ? : 1956-1976 » à la galerie Anatome à Paris.

  • 24 heures de la vie d'une institution royale à la veille de la Révolution, des ateliers jusqu'au boudoir de l'épouse de l'intendant du Garde-Meuble de la Couronne...

    Entre 1772 et 1789, l'actuel hôtel de la Marine, construit par l'architecte Gabriel, était occupé par l'une des plus prestigieuses institutions d'État : le Garde-Meuble de la Couronne ; vitrine du goût français, il avait été érigé pour abriter et entretenir les collections royales de mobilier et de joyaux. M. de Ville d'Avray, son intendant, y logeait et ses appartements n'avaient rien à envier aux plus beaux intérieurs de Versailles. Ce fastueux édifice, situé sur la place Louis XV - aujourd'hui place de la Concorde - hébergeait également celles et ceux qui en étaient les artisans, les gardiens et les conservateurs.

    Rythmé par les photographies exclusives de Guillaume de Laubier, l'ouvrage propose de partager vingt-quatre heures des hommes et des femmes, de l'intendant aux lingères, qui le faisaient vivre et qui l'occupaient.

    De 5 heures (le jour se lève sur Paris) à 23 heures (le portier effectue sa dernière tournée), mais aussi la salle de bains avec eau chaude de M. de Ville d'Avray (8h), tapissiers, lingères et artisans à l'oeuvre (12h), l'art culinaire français (14h), être à la mode (17h)...

    Le lecteur y découvrira le fonctionnement de l'institution, mais aussi le quotidien de tous ses habitants, très divers selon leur rang. Le récit enlevé et passionnant est enrichi de contextualisations sur les moeurs de l'époque, sur la vie parisienne de ceux qui travaillent et de ceux qui s'amusent, ainsi que sur les tendances et les découvertes d'un siècle si contrasté.

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