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Son nom n'est pas aussi connu que ceux de Jr, Banksy ou Invader, mais Gérard Zlotykamien dit Zloty, artiste plasticien français né en1940, est pourtant le précurseur au monde de ce mouvement artistique qu'est l'art urbain. Premier artiste à intervenir dans la rue en toute illégalité, il a tracé ses premiers « Éphémères », silhouettes évanescentes, entre masques et fantômes, en 1963 et n'a jamais plus cessé de peindre sur des murs ou des encombrants (matelas, porte, vitre, valises...). Ces figures témoignent de la bêtise humaine : tragédies européennes et asiatiques de la Seconde Guerre mondiale, terrorisme, catastrophes climatiques, etc.
Avec cette première monographie, retraçant plus de soixante années de création, on découvre l'influence, l'importance et la cohérence du travail de Gérard Zlotykamien. Un travail qui n'a de cesse de nous rappeler l'existence interrompue de peuples innocents et plus globalement l'éphémérité de l'existence humaine.
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Jean Painlevé (1902-1989), cinéaste précurseur en matière de vulgarisation scientifique, a acquis sa plus grande notoriété dans le domaine de la biologie marine et des techniques cinématographiques. Caractérisés par le souci de l'exactitude descriptive de ses sujets, ses courts-métrages rendent compte de son désir profond de partager l'émerveillement qui surgit face aux mouvements naturels de la faune aquatique. Son oeuvre des années 1920-1930 est identifiée par les avant-gardes et le mouvement surréaliste ; ses formes organiques et mystérieuses nourrissent la puissante imaginaire de l'époque.
L'ouvrage couvre une période de plus de cinquante années de travail (1925 à 1982) et propose une analyse minutieuse de l'oeuvre. Entre les films montés en vue de leur diffusion auprès d'un public large et les films de commande purement scientifiques, le lecteur sera immergé dans l'univers fascinant et atypique de cet auteur indépendant, engagé, dans la création par l'image en mouvement.
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Picabia pique à Ingres
Jean-Hubert Martin, Florence Viguier-Dutheil, Collectif
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- 11 August 2022
- 9782359063752
Les expositions de duo de grands artistes aux rapprochements forcés sont devenus des poncifs ces dernières années. Dans cet ouvrage, il s'agit au contraire de montrer comment Francis Picabia copiait des reproductions de dessins dans les ouvrages sur Ingres. On sait qu'il empruntait aux cartes postales, aux dessins d'ingénieur, aux revues érotiques et aux pages roses du petit Larousse, de même qu'à Ingres, sans avoir trouvé précisément les livres qu'il consultait.
Les années 1922-1923 sont marquées dans le milieu de l'avant-garde parisienne par un engouement pour la « probité du dessin » à la manière d'Ingres. En guise de provocation dadaïste, Picabia expose aux salons de ces deux années trois grands tableaux peints au ripolin et tirant plus vers l'affiche publicitaire que vers les beaux-arts. Il était établi que les figures de La Nuit espagnole et Feuille de vigne sont empruntées à Ingres, mais la source exacte n'avait pas été identifiée. Le troisième Dresseur d'animaux est une charge contre André Breton qui cherche à ce moment-là à arracher les dadaïstes à l'influence de Picabia pour les regrouper auprès de lui. Le propos du catalogue est de confronter ces trois tableaux aux modèles qui leur ont servi de base, de même que pour une grande partie des projets de couverture de Littérature.
Partagé entre son admiration pour Picabia et sa volonté d'étendre son hégémonie sur les dadaïstes, André Breton demande à Picabia de lui dessiner une série de couvertures pour la publication. L'artiste lui en livre 26, dont 8 furent publiées. C'est dans les ouvrages reproduisant en grand format les dessins d'Ingres d'Henry Lapauze et d'Édouard Gatteaux que Picabia fait son miel en copiant les figures, pour les reproduire parfois à l'identique ou au contraire en les combinant et les adaptant à ses projets de couverture.
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Autour du monde
Magali Mélandri, Clément Poché, Serge Fouchard, Fabienne Maillard, Collectif
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- 31 March 2022
- 9782359063585
Autour du monde nous embarque dans un voyage aux origines des Archives de la Planète, traversée sensible des collections du musée départemental Albert-Kahn et exploration des représentations du voyage à travers la photographie et le film depuis le début du XXe siècle. À la fois carnet de route et album de voyage, l'ouvrage débute par le récit filmique et photographique d'Albert Dutertre, réalisé lors de son voyage autour du monde avec Albert Kahn en 1908-1909. Ce voyage initiatique constitue le noyau historique de la collection qui naît d'une volonté d'inventorier la diversité d'un monde en mutation, marqué par l'irruption de la modernité industrielle, financière et par l'essor des déplacements. Du tour du monde d'Albert Kahn au développement du tourisme de masse jusqu'au voyage virtuel offert par Google Images, la route se prolonge avec les figures de l'expérience du voyage de la fin du XIXe siècle à aujourd'hui pour souligner les invariants, les continuités et les ruptures de cette forme de rapport au monde et des images qu'elle produit. Cette évolution du voyage va de pair avec celle des modes de représentation du monde?: le développement du train et celui de la photographie, de l'aviation et du cinéma. Autour de la question centrale de la représentation du monde, historien, professeure d'esthétique, historienne de la photographie et géographe viennent en seconde partie apporter un contrepoint vivant, scientifique et sensible à la dimension visuelle et littéraire de l'exposition.
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Objets migrateurs : trésors sous influences
Barbara Cassin, Muriel Garsson, Collectif
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- 21 April 2022
- 9782359063622
On s'intéresse de plus en plus aux objets comme à des êtres vivants, qui ont chacun une biographie. Rien de moins immobile qu'un objet : les objets migrateurs ont toujours existé, qu'il s'agisse d'hommes, de dieux, d'idées, de langues, de musiques, de cuisines ou de choses. Aujourd'hui où, particulièrement en Méditerranée, l'accueil de ceux qu'on nomme « migrants » est à l'ordre du jour, il s'agit de dédiaboliser l'idée de migration et de montrer comment les objets migrateurs servent à constituer cette civilisation que nous disons nôtre, à la diffuser et à la faire évoluer. L'une des originalités de l'exposition est de faire dialoguer l'antique et le contemporain, entre objets d'art les plus précieux et objets du quotidien. Ainsi, on découvrira côte à côte une coupe présentant Ulysse sur son radeau, fait de deux amphores, et un écoboat en bouteilles de plastique...
Le propos est de faire l'inventaire des types de transformations dues aux migrations. On passe de l'unique - un objet-mémoire parfaitement singulier - au multiple avec le commerce et la diffusion, croisant le problème de la copie, du faux, de la contrefaçon, du réemploi - le crâne de L'Homme de Rio est-il un vrai faux, un faux vrai ? Qu'est-ce qu'une hybridation, un syncrétisme, un métissage ? Et une appropriation, une inspiration ? Les modalités de réinvestissement de l'objet remettent en travail les idées de centre et de périphérie, d'original et de copie, de même et d'autre.
Se déploie enfin la question des objets à l'arrêt dans les musées - objets de curiosité, de science, d'art, objets patrimoniaux -, et celle, très actuelle, des objets restitués et des objets partagés.
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Élie Kagan : photographe indépendant, 1960-1990
Cyril Burte, Audrey Leblanc, Collectif
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- 10 February 2022
- 9782359063417
Fils d'immigrés juifs, Élie Kagan (1928-1999) fait partie des enfants cachés de la Seconde Guerre mondiale. Il se sédentarise ensuite dans le 10e arrondissement de Paris. Devenu photo-reporter indépendant, il fixe sur la pellicule meetings, manifestations, événements culturels, réunions et rassemblements politiques. Il saisit le massacre des Algériens survenu à Paris après la manifestation organisée par le FLN, dans la nuit du 17 octobre 1961. Sa production constitue une archive historique et visuelle, essentielle pour l'étude de la vie politique, intellectuelle et culturelle française de 1960 aux années 1990.
L'ouvrage revient sur les différentes interprétations du parcours du photographe, en s'attachant à la réception de son travail.
Élie Kagan ne se réduit pas à la figure de photo-reporter engagé, ni à celle d'un militant, que viendraient investir des revendications mémorielles. De nombreux autres aspects de sa production photographique sont encore mal connus. Témoin de son temps, il aime flâner dans Paris, dont il capte les transformations urbaines et sociologiques, ses petits métiers et ses passantes.
C'est un rapport existentiel à la photographie qui se donne alors à voir : une façon de vivre, au jour le jour, porté par les rencontres, les accrocs ou les surprises du quotidien...
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Hervé di Rosa : ses sources, ses démons
Philippe Bouchet, Collectif
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- 30 June 2022
- 9782359063769
Associé au mouvement de la Figuration libre, Hervé Di Rosa est du groupe d'artistes qui, au début des années 1980, défraient l'actualité artistique en France. Comme Robert Combas, François Boisrond et Rémi Blanchard, il peint des tableaux dont la brutalité et l'apparente naïveté contrastent avec le dogmatisme dans lequel se sont enfermés les mouvements artistiques depuis plusieurs décennies. Comme eux, il ne peint que dans un seul but : le plaisir de raconter des histoires, de créer des personnages et de les mettre en scène, en dehors de toute visée théorique.
Rétrospectivement, peu nombreux sont ceux qui ont vu - ou voulu voir - une peinture inspirée d'une culture à large spectre, d'un goût classique insoupçonné, inscrit et nourri d'une dimension beaucoup plus complexe qu'il n'y paraît de prime abord.
Probablement moins nombreux encore sont ceux qui ont su déceler chez Di Rosa un intérêt pour les techniques de la peinture, une passion et une curiosité qu'il faut comprendre dans une vaste palette de pratiques qui le fascinent durablement, dépassent la seule peinture et deviennent le moteur de sa motivation.
Parce que le rapprochement de ses oeuvres avec celles du passé ne saute pas immédiatement aux yeux tant ses créations sont actuelles, le propos de cet ouvrage s'impose alors. Par la démarche qui est la sienne, celle d'un artiste libre qui nous invite depuis longtemps à un déplacement du regard, de notre regard, Hervé Di Rosa ouvre le domaine respectable de l'histoire de l'art à d'autres horizons et déroule un fil d'Ariane pour nous aider à ne pas nous égarer dans la production des images.
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Marinette Cueco, née en 1934 à Argentat, veuve du peintre et écrivain Henri Cueco, est connue pour ses créations à partir du végétal et du minéral. S'initiant d'abord, à partir de 1960, à la tapisserie et au tissage, elle entreprend peu à peu, de tisser des herbes, ce qui devient à partir des années 1970 son unique activité artistique. En 1986, elle est exposée au musée d'Art moderne de la ville de Paris, premier signe de reconnaissance.
De ses longs moments de cueillette, notamment en Corrèze, elle tire sa matière première. Cette activité devient la base de son travail : elle ramasse, plante et récolte les végétaux les plus variés dans un rapport étroit avec la nature. Marinette Cueco utilise toutes les parties des plantes cueillies (graines, pétales, feuilles, tiges, épluchures...) pour les agencer en de minutieuses et fascinantes compositions. Elle scrute la nature pour mieux la mettre en forme, la transformer : elle noue, tresse, lie, entrelace et festonne. En conjuguant la texture, le rythme et la couleur, l'artiste fait de la nature le lieu et le matériau de ses interventions.
Sous ses gestes simples surgissent des concrétions minérales et des formes végétales qui témoignent d'une connaissance fine de la botanique, des techniques d'herborisation, de l'assemblage de certaines espèces végétales qui ne sont pas choisies au hasard. Les herbiers par exemple sont la preuve d'une maîtrise du séchage des feuilles et d'un art de la composition remarquable, qui sont le fruit de plusieurs décennies de recherches et d'expériences. Il lui arrive aussi de lier minéral et végétal en enserrant des pierres dans des vêtements végétaux, mêlant ainsi la fragilité et le côté éphémère des fibres séchées et l'éternité des pierres.
L'artiste vit actuellement à Paris où elle continue son activité dans son atelier, en retissant sans cesse cette relation profonde nouée avec la nature depuis son enfance. Ses oeuvres sont autant de microcosmes où le regard peut se perdre, et l'âme se régénérer.
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Arts incohérents : découvertes et nouvelles perspectives
Johann Naldi, Collectif
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- 14 April 2022
- 9782359063660
En 2018, le galeriste et expert Johann Naldi découvre chez des particuliers une malle dans laquelle sont conservées 17 oeuvres du mouvement des Arts incohérents, groupe d'artistes anticonformistes actifs à Paris entre 1882 et 1893. Leurs expositions détonantes, bousculant les règles établies, rencontrèrent un succès critique et populaire considérable et ouvrirent la voie aux avant-gardes du XXe siècle, dadaïsme et surréalisme en tête.
Parmi les oeuvres retrouvées, le premier monochrome et le premier ready-made de l'histoire de l'art que les historiens pensaient perdus à jamais. Classées Trésor National par le ministère de la Culture en mai 2021, ces pièces d'une importance patrimoniale majeure constituent les seuls témoins d'un mouvement dont toutes les productions - mille environ - ont disparu. En 1992, le musée d'Orsay leur avait d'ailleurs consacré une exposition sans oeuvre !
À partir des oeuvres retrouvées, les auteurs proposent une nouvelle lecture d'un mouvement longtemps relayé au rang d'art mineur et s'attachent à porter un regard neuf sur une production résolument inclassable.
Admiré par Marcel Duchamp et André Breton notamment, le mouvement des Arts incohérents retrouve aujourd'hui sa place dans la grande histoire de l'art.
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Via Roma. peintres et photographes de la Neue Pinakothek de Munich
Herbert W. Rott, Bruno Ely, Pamela Grimaud, Collectif
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- 11 August 2022
- 9782359063790
L'Italie au début du xixe siècle, et plus particulièrement Rome, est une destination essentielle pour de nombreux peintres européens.
Ce foisonnement artistique favorise l'élaboration de courants artistiques novateurs et le renouvellement des genres picturaux traditionnels comme le paysage. Cet ouvrage esquisse ainsi les prémisses de ce renouveau et montre la richesse et la diversité des styles, des sources d'inspirations des peintres à cette époque, du paysage aux scènes de genre, des nazaréens aux vues architecturales. Les oeuvres des peintres allemands, pour la plupart issues de la collection du roi Louis Ier de Bavière, fondateur de la Neue Pinakothek, sont présentés aux côtés de celles du peintre aixois François-Marius Granet, présent également à Rome dès 1802 et fasciné par la ville comme par ses paysages alentours.
L'Italie inspire également les photographes. À l'instar de la peinture, à partir des années 1840, la photographie se développe à Rome, lieu privilégié pour ces artistes d'un nouveau genre qui découvrent et expérimentent ce médium inédit et forment alors la « scuola romana di fotografia ». La Neue Pinakothek possède un magnifique fonds de plus de 10 000 photographies de l'Italie du xixe siècle provenant de la prestigieuse collection Dietmar Siegert. Ainsi, une sélection de ces photographies dialoguera également avec une trentaine d'oeuvres graphiques, croquis à l'huile et dessins de François-Marius Granet. Regroupées par sites emblématiques, elles montrent la diversité des regards posés sur ces lieux, des places célèbres à la Villa Médicis, du Quirinal au Colisée, des vues sur le Tibre au Vatican...
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Le Louvre est un lieu fondamental pour la compréhension de l'oeuvre de Pablo Picasso (1881-1973). Depuis sa toute première visite en 1900 jusqu'à l'exposition de ses propres oeuvres dans la Grande Galerie en 1971, le musée occupe une place à part dans l'imaginaire de l'artiste. Il intervient dans sa conception même de l'art, et d'innombrables créations de Picasso découlent de dessins, gravures, peintures, sculptures ou objets d'art conservés au Louvre.
Selon les époques, Picasso a pu compter, au sein du musée, sur la confiance et le soutien de profonds admirateurs, mais il a aussi dû composer avec de puissants détracteurs. À bien des égards, la relation entre le Louvre et celui qui lui destina sa collection d'oeuvres anciennes et modernes fait penser à une passionnante suite de rencontres au sommet, émaillée de quelques rendez-vous manqués.
L'ouvrage met en lumière les liens forts qu'ont tissés l'artiste catalan et le célèbre musée parisien au fil du xxe siècle et se propose de suivre Picasso dans ses pérégrinations à travers les collections du Louvre. Outre des confrontations d'oeuvres d'art, il fait la part belle aux documents d'archives évoquant les salles du musée que fréquenta Picasso et la place tenue par le Louvre dans la documentation personnelle de l'artiste et, plus largement, dans son imaginaire.
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Les animaux du Roi
Alexandre Maral, Nicolas Milovanovic, Collectif
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- 21 October 2021
- 9782359063455
Peut-on imaginer aujourd'hui le château de Versailles et ses jardins grouillant de vie animale ? Et pourtant les animaux de compagnie se comptaient par dizaines dans les appartements des princes, et jusqu'aux antichambres des rois, encombrées de niches : braques, épagneuls, carlins, singes vervets, chats angoras, aras et perruches ; la ménagerie abritait les animaux les plus rares, du coati au couagga, du casoar à la grue couronnée, que l'on surnommait l'« oiseau royal » ; le gibier était abondant dans le petit et le grand parc ; 2 000 chevaux logeaient à la petite et à la grande écurie, 300 chiens de chasse dans le grand chenil...
L'ouvrage a pour ambition de faire revivre ce bestiaire, et de faire redécouvrir les hauts lieux de la vie animale versaillaise. Ainsi le merveilleux bosquet du Labyrinthe est évoqué par les fragments subsistants de ses fontaines sur le thème des fables d'Esope. Le décor du salon octogone de la ménagerie est lui aussi restitué.
Les animaux eux-mêmes reviennent en foule à Versailles, car ils n'ont pas disparu sans laisser de traces : les meilleurs peintres du roi, de Bernaerts et Le Brun à Desportes et Oudry, ont fait les portraits des animaux exotiques, sauvages et familiers.
Ils étaient tissés à la manufacture des Gobelins, mais aussi disséqués, gravés puis naturalisés à l'académie des Sciences et au Jardin du roi. On découvre ainsi le squelette du premier éléphant de Versailles, une éléphante offerte à Louis XIV par le roi du Portugal, qui vécut treize années à Versailles. Les chiens préférés des rois avaient aussi droit à leurs portraits avec leurs noms inscrits en lettres d'or : on fait connaissance avec Misse, Turlu, Tane, Blonde, Diane, Merluzine, Hermine et Cocoq... et même avec le Général, chat de Louis XV, portraituré par Oudry. Enfin on apprend la farouche résistance versaillaise à la théorie cartésienne des animaux-machines : dans le palais des rois de France, on n'a jamais douté que les animaux avaient une âme !
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Tarots enluminés : chefs-d'oeuvre de la Renaissance italienne
Thierry Depaulis, Collectif
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- 6 January 2022
- 9782359063288
Les tarots enluminés du xve siècle fascinent. Leur qualité d'exécution, la richesse de leurs couleurs, leurs fonds d'or estampés en font des oeuvres à part, à la fois cartes à jouer et miniatures.
Objets de luxe qui ont vu le jour dans les milieux aristocratiques et cultivés du nord de l'Italie au xve siècle, ils ont été mieux préservés que les tarots ordinaires imprimés. Dominés par les cartes peintes par Bonifacio Bembo et son atelier pour la cour de Milan, les tarots enluminés ont été aussi réalisés pour d'autres cours, comme celles de Ferrare ou de Florence.
L'apparition sur le marché de l'art et l'acquisition par le musée de la Carte à jouer d'un superbe Chariot, un des atouts du tarot, totalement inédit, a bousculé les attributions faites jusque-là.
Organisé autour de la carte du Chariot et de ses «?soeurs?», deux cartes clairement issues du même jeu exceptionnellement prêtées par le musée national de Varsovie, cet ouvrage présente de précieux tarots milanais et florentins, en provenance d'institutions prestigieuses telles le Louvre, la Bibliothèque nationale de France, la Morgan Library and Museum à New-York ou encore les musées de Sicile.
Les tarots enluminés apportent des détails indispensables à la connaissance de la peinture italienne du xve siècle. «?Triomphes?» de Pétrarque, plateaux d'accouchée, livres illustrés... en éclairent le contexte historique, artistique et intellectuel.
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Nouv.
Edouard Pignon : les estampes ; catalogue raisonné
Philippe Bouchet, Collectif
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- 8 September 2022
- 9782359063639
Considéré comme l'un des principaux acteurs de la peinture figurative française du XXe siècle, figure incontournable du débat qui agite la scène artistique de l'après-guerre aux années 1980, Édouard Pignon (1905-1993) est également un maître incontesté de la gravure et plus généralement de l'estampe, où sa virtuosité technique est le fruit de cinquante ans d'un travail - de lithographe et de taille-doucier - qui s'inscrit en parallèle de sa production picturale et des séries qui la jalonnent, des géométries lumineuses de la période d'Ostende aux subtiles vibrations colorées de ses «Nus».
Plus de quarante ans après l'inventaire du corpus illustré de l'oeuvre gravé, établi et édité en 1981 à l'occasion de l'exposition du fonds de gravures contemporaines de la Bibliothèque nationale au musée-galerie de la Seita à Paris, la parution du catalogue raisonné des estampes d'Édouard Pignon - augmenté de quelques réalisations postérieures et surtout de nombreuses planches non recensées- accompagne l'exposition présentée l'été 2022 au musée du Dessin et de l'Estampe originale de Gravelines.
Dévoilant l'importante donation de cent trente-neuf gravures et lithographies -dont un nombre non négligeable d'essais ou d'états corrigés et rehaussés à la main - consentie en 2021 par Nicolas Pignon, fils de l'artiste, à la seule institution en France consacrée uniquement à ces techniques, la publication du catalogue raisonné des estampes d'Édouard Pignon comble un vide scientifique et révèle un graveur de tempérament.
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André Metthey : la quête du feu et de la couleur
Adélaïde Lacotte, Sylvain Pinta, Collectif
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- 21 April 2022
- 9782359063776
La diversité de l'oeuvre du céramiste André Metthey (1871-1920), reconnu pour sa collaboration avec les peintres Fauves, reste à découvrir. Cet ouvrage met ainsi en lumière l'ensemble de ses créations, de ses premiers grès à ses terres vernissées richement décorées. Constituant la première monographie dédiée à l'artiste, il ambitionne, un siècle après la rétrospective au Palais Galliera et suite au recueil illustré, André Metthey, décorateur et céramiste, d'Henri Clouzot, de devenir une référence.
Une première partie met en perspective l'ensemble de la carrière du céramiste, de sa formation de sculpteur jusqu'à la découverte de la céramique, de ses premiers essais et premières pièces en grès jusqu'à sa collaboration naturelle avec des sculpteurs (Denys Puech, Albert Marque, etc.) ou son travail sur le grand décor.
Sa production la plus célèbre avec les peintres fait l'objet d'une remise en contexte inédite et démontre la richesse d'une contribution ayant réuni près d'une vingtaine d'artistes, parmi lesquels Henri Matisse, André Derain, Maurice de Vlaminck, Mary Cassatt, Auguste Renoir, Maximilien Luce, Kees van Dongen, Georgette Agutte, Pierre Girieud. Ses amitiés avec certains collectionneurs ou peintres, comme Maurice Denis, Aristide Maillol ou Jean Puy, seront évoquées permettant au lecteur de rentrer au coeur de l'atelier d'Asnières et de découvrir la richesse unique de l'oeuvre d'André Metthey.
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Steam power : photographies de Pietro Pietromarchi
Bénédicte Philippe, Pietro Pietromarchi
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- 2 December 2021
- 9782359063608
Steam Power est le témoignage en photographies d'une passion d'enfance?: celle du photographe et architecte italien, Pietro Pietromarchi (né en 1965), pour les trains à vapeur. En 1992, à l'occasion d'un stage chez un architecte indien, Pietromarchi découvre depuis Ahmedabab, où il réside alors, la richesse du réseau à vapeur local toujours en activité. Dès lors, chaque voyage devient pour lui un prétexte pour découvrir des lignes ferroviaires et des sites miniers où ces vieux engins sont encore utilisés au quotidien. Il s'agit pour le photographe de conserver par l'image un pan d'histoire, d'immortaliser les locomotives à vapeur jusqu'à leur dernier souffle. Cette démarche documentaire le conduit dans les endroits les plus reculés et les plus inhospitaliers de la planète. Locomotives, gares, signaux, nuages de vapeur... les photographies de Pietromarchi font revivre ce paysage ferroviaire, qui était entré dans l'imaginaire par la littérature, de Jules Verne à Zola, la peinture, de Turner, Monet, Caillebotte à Delvaux, et le cinéma, mais qui disparaît du quotidien au rythme accéléré du progrès. Seuls résistent les pays riches en charbon d'Europe de l'Est ou trop pauvres pour moderniser leurs infrastructures de transport, comme l'Afrique du Sud, la Chine ou l'Inde. À l'Ouest, des anciens, conscients de la valeur de ce patrimoine, parviennent néanmoins à la sauvegarde de quelques lignes, à la grande joie des touristes. De l'Erythrée au Skri Lanka, jusqu'en Patagonie... À travers l'oeil de Pietro Pietromarchi, on peut entendre les convois s'ébranler, les motrices s'élancer, les essieux crisser à l'arrivée en gare.
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Giorgio Vasari, le livre des dessins : destinées d'une collection mythique
Louis Frank, Carina Fryklund, Collectif
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- Arts Graphiques
- 24 March 2022
- 9782359063721
Giorgio Vasari a réuni ce qui fut probablement la première collection de dessins fondée sur une logique historisante : le légendaire Libro de' disegni, conçu comme parallèle à la seconde édition des Vies des plus excellents peintres, sculpteurs et architectes, parue à Florence, en 1568, chez les Giunti.
Vasari ne cesse de mentionner, dans cette seconde édition des Vies, qu'il possède dans son Livre des dessins - in nostro Libro de' disegni - des feuilles de l'artiste dont il est en train de rapporter la biographie et l'oeuvre, et décrit certaines d'entre elles avec plus ou moins de précision. Mais les cas dans lesquels il a été possible de leur faire correspondre une oeuvre conservée de nos jours sont relativement rares. Ainsi, dans la Vie de Giulio Romano, Vasari décrit-il, au plafond de l'une des salles du Palazzo Te de Mantoue, une peinture à l'huile représentant la Chute d'Icare, dont il indique, pour finir : « Et dans notre Livre des dessins de différents peintres, est le dessin même de cette fort belle histoire, de la propre main de Giulio ». Le dessin se trouve aujourd'hui dans la collection du Louvre.
Actuellement sont recensés, au total, seize de ces dessins identifiés grâce au témoignage de Vasari, dont : le Projet pour le monument équestre de Francesco Sforza par Piero del Pollaiuolo (Albertina), la Judith de Mantegna (Offices), la Tête de femme attribuée à Verrocchio (Louvre), le Mercure purgé de Peruzzi (Louvre), le Jeune garçon pincé par une écrevisse de Sophonisba Anguissola (Naples, Capodimonte), la Vierge de Miséricorde de Rosso (Louvre), la Pietà de Clovio (Louvre) et Pépin triomphant d'Astolphe, roi des Lombards de Girolamo Siciolante da Sermoneta (Louvre).
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Claire Illouz, née en 1955, s'intéresse au paysage - thématique chère à l'institution adamoise - mais à un paysage quelque peu oublié : ce sont les espaces abandonnés où la nature a repris ses droits qui retiennent son attention. Elle montre des étendues recouvertes d'herbes folles luxuriantes qui se sont multipliées de manière anarchique. Elle imagine l'entrelacement des racines dissimulées sous terre et les objets abandonnés par l'homme qui pourraient s'y cacher, tels des « vestiges modernes ». Savamment composés, généralement à partir de croquis pris sur le motif, ces paysages sont traités avec une infinie délicatesse et une minutie de trait qui confèrent à ces espaces en marge une élégance rare.
Bien que le point de départ de toutes les oeuvres de l'artiste soit le dessin (fusain, graphite, etc.), son exigence visuelle s'accompagne d'expérimentations plastiques qui la conduisent à s'essayer à divers médiums?: peinture à l'huile, aquarelle, lavis d'encre, gravure (aquatinte, eau-forte, burin et pointe sèche).
Cet ouvrage présente une soixantaine de peintures, dessins, gravures et livres d'artiste, provenant en partie du fonds d'atelier de l'artiste ou de collections particulières.
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Le 22 février 2019 commence en Algérie le mouvement d'un peuple entier pour une « chorégraphie révolutionnaire » dont personne ne semblait prévoir l'avènement. Cette occupation de l'espace public chaque vendredi eut pour conséquence un séisme politique dont le départ de Bouteflika, mais surtout, elle fut l'occasion pour le peuple algérien de se souvenir de lui-même et de prendre conscience de son pouvoir à rêver d'un monde autre.
En s'écartant des chemins de l'analyse et de toute forme de théorisation, le livre contient la rencontre subjective de quelques fragments de mémoire, comme nous gardons quelques fragments de rêves au réveil.
À distance du réel et pleinement dans le rêve, Abdelkader Damani a tenu un journal d'humeurs du 8 mars au 9 décembre 2019 tout en préparant une Biennale d'art contemporain au titre prémonitoire « Un instant avant le monde ». Ces humeurs affectives ne pouvaient cependant à elles seules rendre compte du rêve. La compagnie d'oeuvres d'art s'est imposée comme une évidence. a compagnie d'oeuvres d'art s'est imposée comme une évidence. Les paroles de la poète Souad Labbize, comme les regards portés par les photographies de Leïla Saadna et Daphné Bengoa rejointes par les dessins d'Adel Bentounsi et les oeuvres de Zineb Sedira, Massinissa Selmani et Driss Ouadahi, forment les paysages d'un rêve pour un réel.
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Albrecht Altdorfer ; maître de la Renaissance allemande
Helene Grollemund, Séverine Lepape, Olivia Savatier, Collectif
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- 24 September 2020
- 9782359063127
Peintre, dessinateur et graveur actif à Ratisbonne, Albrecht Altdorfer (vers 1480-1538) est un artiste majeur de la Renaissance germanique, même s'il reste moins connu que d'autres maîtres de sa génération, comme Albrecht Dürer ou Lukas Cranach.
Cet ouvrage monographique vise à présenter la richesse et la diversité de l'oeuvre d'Albrecht Altdorfer, artiste doté d'une grande capacité d'invention formelle et iconographique, pionnier dans les genres du paysage et de l'architecture.
Il met en exergue sa stature d'artiste de la Renaissance, à la fois très original et parfaitement au fait de la création artistique de ses contemporains.
Tous les aspects de sa vie artistique sont étudiés, avec une sélection de dessins, gravures, peintures et objets. Le parti adopté est à la fois chronologique et thématique, tout en réservant des sections aux différents genres dans lesquels le travail d'Altdorfer a été particulièrement important et novateur, comme le paysage, l'orfèvrerie et l'architecture.
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Paris 1910-1937 ; promenades dans les collections Albert-Kahn
Magali Mélandri, David-Sean Thomas, Jean-Marc Hofman, Collectif
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- 10 September 2020
- 9782359063165
L'ouvrage offre l'occasion de porter un nouveau regard sur un fonds d'images atypique au sein de la production visuelle des premières décennies du xxe siècle : les autochromes - premier procédé de photographie en couleur - et les films pris à Paris par les opérateurs des Archives de la Planète. Cette vaste et noble entreprise, imaginée par Albert Kahn (1860-1940), banquier, mécène utopiste et pacifiste, poursuivait l'ambition « d'établir un dossier de l'humanité prise en pleine vie », à un moment charnière de son histoire, à « l'heure critique » de changements aussi profonds qu'inéluctables.
Le fonds « Paris » des Archives de la Planète participe pleinement de cette volonté de documenter le monde par la photographie.
Avec près de 5 000 autochromes et 90 000 mètres de films, il constitue l'un des plus importants fonds d'images photographiques et cinématographiques du début du xxe siècle consacrés à la capitale.
L'ouvrage montre les particularités de cette remarquable collection qui couvre, en images couleurs et films, plus de vingt ans d'histoire de la ville. Il souligne ses liens étroits avec les grandes questions urbaines qui ont accompagné sa mutation au cours de cette période, qui la façonnèrent en ville moderne, la délivrèrent du carcan des fortifications de Thiers, à la genèse du Grand Paris. Un parcours immersif, au coeur de l'image, propre à montrer le glissement d'une capitale intemporelle, en cours de patrimonialisation, estimant son passé, vers une métropole soucieuse de progrès, tournée vers l'avenir.
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1976-1986, une décennie de photographie couleur
Lilian Froger, Collectif
- Lienart
- 24 June 2021
- 9782359063462
Initiée en 1984, la collection de photographies contemporaines du musée d'Art et d'Archéologie d'Aurillac se compose de quelques 750 tirages, datés de la fin des années 1960 à nos jours, et notamment d'un ensemble exceptionnel des années 1970-1980, constitué autour de la question de la couleur en photographie, axe principal d'acquisition du musée.
Prenant appui sur cette collection, l'ouvrage propose de retracer l'histoire de la photographie couleur, des prémices de la reconnaissance culturelle et institutionnelle à partir de la fin des années 1970, jusqu'à son assimilation et généralisation dans les années 1980. Les textes qui le constituent explorent cette période brève et mal connue, quand la photographie artistique en couleurs accède aux murs des musées et galeries, auparavant réservés au noir et blanc.
Alors que l'on fait habituellement débuter cette apparition en 1976 avec les expositions de William Eggleston et de Stephen Shore au MoMa de New York, cet ouvrage met en évidence le fait que cette histoire de la couleur est à la fois plus ancienne et loin d'être exclusivement américaine. Exactement dans les mêmes années, des photographes français, italiens, britanniques et japonais commencent à explorer la couleur et exposent en Europe comme aux États-Unis. Les échanges des deux côtés de l'Atlantique sont nombreux et les parcours de diffusion s'avèrent plus complexes qu'il ne semblerait de prime abord. Un livre indispensable pour mieux saisir les étapes de légitimation de cette production en couleurs, qui reste encore largement à redécouvrir.
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Porcelaines chinoises du palais de Santos
Claire Déléry, Huei Chung Tsao, Collectif
- Lienart
- 18 November 2021
- 9782359063219
Le palais de Santos à Lisbonne, aujourd'hui siège de l'ambassade de France au Portugal, recèle un trésor?: un petit salon carré, coiffé d'un toit pyramidal en bois doré, sur lequel sont accrochés près de trois cents plats et assiettes de porcelaine chinoise au décor majoritairement blanc et bleu.
Unique au monde, cette collection de porcelaines chinoises, constituant l'incomparable et somptueux décor de la «?salle des Porcelaines?» du palais de Santos, illustre l'histoire de la production de céramiques en Chine, entre les débuts du XVIe siècle et la fin du XVIIIe siècle, et son commerce avec l'Europe. L'importation par bateau de cargaisons de céramiques chinoises ainsi que de nombreuses autres productions à partir du XVIe siècle a eu un impact économique considérable, mais a surtout ouvert une fenêtre sur deux mondes. L'Europe découvre alors la Chine, et la Chine l'Europe, via les cargaisons de retours. Ces échanges ont également donné lieu à des transferts technologiques et à d'étonnantes créations artistiques sur le sol européen.
Si cette collection constitue le plus grand ensemble de porcelaines chinoises arrivées de façon si précoce en Europe, elle est quasiment inconnue des spécialistes chinois et a fortiori du grand public, aussi bien chinois qu'européen.
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« O ma belle Nice, reine des fleurs... ». Ainsi débute la chanson écrite en 1903 par le poète Menica Roncelly, devenue depuis l'hymne niçois, très souvent entonné, aujourd'hui encore, lors de manifestations officielles, de fêtes de fin d'année dans les écoles ou par les supporters du club de football OGC Nice. Cela pourrait n'avoir qu'une portée anecdotique ; après tout Nice n'est pas la seule ville fleurie. Il existe en France un label des villes et villages fleuris, dont peuvent se réclamer près de 4 600 communes. Mais il s'agit ici de tout autre chose. Les fleurs ont occupé, à divers titres, une place singulière dans l'histoire de Nice. Ainsi, Nice, reine des fleurs a pour objet de présenter le lien presque ontologique tissé entre la ville de Nice et les fleurs, lequel s'est entretenu, sans cesse renouvelé au fil du temps, et s'est manifesté au travers de nombreuses disciplines.
De la découverte du jardin d'Eden telle que Nice est apparue aux premiers hivernants au développement de l'horticulture, en passant par les jardins d'agréments des villas, les fleurs sont également devenues sources d'inspiration pour les artistes : elles traversent la littérature comme les oeuvres peintes, ornent les façades des bâtisses ou le mobilier pour être également célébrées au sein des manifestations populaires telle que les batailles de fleurs.
